In alcune occasioni si dice che si respira un’aria buona, che si avvertono delle vibrazioni quasi percettibili al tatto. È come se, per qualche ora, il luogo e le persone riuscissero a creare qualcosa che va oltre ciò che si vede. In questa occasione è stato proprio così.

Ogni sfilata ha la sua originalità, il proprio timbro, e quella di Atelierd.isagio ha scelto di coinvolgere il pubblico in modo diretto, costruendo una dimensione quasi immersiva. La musica di Noemi Mattei, presente live durante lo show, si è alternata alle basi scelte per accompagnare le modelle in passerella e alla voce narrante di Eleonora Viezzer, seguendo i diversi momenti del racconto. Tra le tracce utilizzate anche una base con la voce di Cosmo, scelta per contribuire all’atmosfera sonora dello spettacolo.

La performance di Eleonora Viezzer, Gabriele Giovannozzi e Sara Viezzer ha dato corpo al significato più intimo della collezione. I tre si sono osservati, si sono specchiati l’uno nell’altro, fino a riconoscersi e ad arrivare all’abbraccio. Un momento semplice e al tempo stesso intenso, perché ha portato fisicamente davanti al pubblico quello che Isa Giovannozzi voleva raccontare: immergersi in sé stessi per poter riemergere.

Non una fuga da ciò che siamo, ma un viaggio attraverso ciò che siamo.

Anche le modelle hanno avuto un ruolo importante in questo percorso. La loro presenza non è stata costruita secondo un’unica interpretazione, ma ha lasciato spazio alla libera espressione, alla possibilità di essere sé stesse e di vivere gli abiti in maniera personale.

Da qui nasce anche una delle immagini più suggestive della sfilata: le modelle, tutte unite e compatte, si sono mosse come un’unica superficie, simulando le onde del mare e il movimento della marea. Una scenografia originale, realizzata attraverso i loro stessi corpi, che ha dato alla passerella un senso di movimento continuo e ha accompagnato il pubblico dentro l’universo marino della collezione.

Al centro del racconto c’è Desiré, il personaggio creato da Isa Giovannozzi: un angelo dalle verdi trecce che, incuriosito dal mondo umano, precipita dagli alti cieli negli abissi del mare. Dallasua caduta nasce l’Aurora Boreale. Ma la storia non si ferma alla caduta: è quello che succede dopo a diventare il vero punto di partenza.

La collezione racconta infatti la perdita dell’equilibrio, la transitorietà, il cambiamento e la possibilità di ritrovare una nuova forma di sé. Un percorso che si sviluppa attraverso tre capitoli: DISASTRI, TRANSITORIETÀ e ASTRI.

In DISASTRI arriva la precipitazione. La palette si fa profonda, le silhouette acquistano volume e le stratificazioni costruiscono una sensazione di densità e instabilità.

Con TRANSITORIETÀ, il corpo entra negli abissi. Le forme cambiano, si sovrappongono e si trasformano. Alcuni capi sono stati pensati per poter essere indossati in modi differenti, grazie a costruzioni double-face e a diverse possibilità di styling.

È una delle caratteristiche più interessanti della ricerca di Atelierd.isagio: l’abito non viene considerato una forma definitiva. Può essere girato, sovrapposto, reinterpretato e modificato insieme a chi lo indossa.

Infine arriva ASTRI, la riemersione. La materia si illumina progressivamente attraverso superfici lucide, strass, paillettes e dettagli scintillanti, introducendo nuovi riflessi e cambiando l’immaginario della collezione.

Dal buio alla luce, quindi, ma soprattutto da una forma di sé a un’altra.

È questo il messaggio che Isa Giovanniti affida alla collezione: la trasformazione non significa smettere di essere sé stessi, ma avere il coraggio di attraversarsi, conoscersi e ritrovare la propria identità con una nuova consapevolezza.

L’abito, in questo percorso, diventa uno strumento di espressione. Non impone chi essere, ma lascia alla persona la possibilità di interpretarlo e trasformarlo.

A sostenere il progetto come brand Ambassador è stata Elda Alvigini, attrice, autrice e regista italiana, da tempo affezionata adAtelierd.isagio, che ha accompagnato con entusiasmo e commozione la serata e condiviso con gli invitati il percorso della designer.

Tra il pubblico Margherita Aresti, attrice italiana, “Come il miele”, dalla voce fresca e riconoscibile; Emilio Capoano, avvocato e giornalista; Emanuela Scanu, psicologa, scrittrice e blogger; Rossella Ambrosini, attrice e doppiatrice; Giorgia Sbianchi, presentatrice e modella.

Presenti anche, insieme a diversi ospiti provenienti dal mondo dello spettacolo, della cultura e della comunicazione, “Stereotipa”, creator e content digitale, Roberto Romeo, creator digitale, Chiara Cecilia Santamaria, in arte “Machedavvero”, creator digitale” e Noemi Intino costumista. Ogni look presentato durante la sfilata è un pezzo unico, disponibile e prenotabile presso l’Atelier aGarbatella a partire dal giorno successivo allo show. I modelli potranno inoltre essere riprodotti in differenti tessuti e misure, mantenendo la possibilità di essere reinterpretati senza perdere il loro carattere trasformativo.

La collezione è stata realizzata dalla sartoria Frykowska, diretta da Rita Quinto, con altri capi realizzati dalla capo sarta Margherita Massaro.

Per la performance, Isa Giovannozzi ha lavorato con la danzatrice e coreografa Sara Viezzer, in arte Space Bounce, e con Gabriele Giovannozzi. La parte musicale live è stata affidata a Noemi Mattei, in collaborazione con la designer, mentre la narrazione è stata affidata a Eleonora Viezzer, attraverso un testo originale scritto dalla stessa Isa Giovannozzi.

Con “ASTRI&D.ISASTRI”, Atelierd.isagio continua a sviluppare una propria idea di moda, libera da una forma definitiva e aperta alla trasformazione. Una ricerca in cui il vestito non è soltanto qualcosa da indossare, ma diventa parte del percorso personale di chi lo porta.

Con ASTRI&D.ISASTRI, Isa Giovannozzi trasforma così la moda in un percorso personale: un invito a immergersi, riconoscersi e riemergere nella propria luce.

Un vestito non soltanto da indossare, ma da attraversare.

Rebecca Manente – fotografia
Daniela Grazia Verna –
coordinatrice
Margherita Massaro – Prima Sarta
Rita Quinto – Consulente
tecnico&stilistico
Laboratorio Frykowka — sartoria

diretta da Rita Quinto

Margherita Massaro (capo sarta) 
Azzurra Cogotti – MUA director
Stefan Garofoli – Hair stylist
director
Marta Rossetti – Set designer
Agnese Sanchez – model casting e modelle

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Firenze rinnova il proprio dialogo tra tradizione gastronomica e ricerca contemporanea con Portale by Paulo Airaudo, il ristorante ospitato all’interno di Porta Rossa Hotel Firenze, Colbert Collection. A pochi passi da Piazza della Signoria e dal Duomo, il progetto gastronomico porta nel centro storico una proposta che unisce ingredienti del territorio, cultura culinaria italiana e sensibilità internazionale.

Ideato dallo chef Paulo Airaudo, il ristorante nasce con l’intento di superare i confini della cucina d’autore più formale. Al centro ci sono piatti riconoscibili, materie prime selezionate e il piacere di condividere il pasto. Una filosofia sintetizzata dal claim Local roots. Italian soul, che mette in relazione identità locale e linguaggio contemporaneo.

Il progetto si inserisce nella storia di Porta Rossa, struttura ricettiva menzionata per la prima volta nel 1386 e considerata tra gli hotel più antichi d’Italia. La sua eredità storica incontra oggi una nuova idea di ospitalità, nella quale la gastronomia diventa un’occasione per conoscere Firenze attraverso sapori, ingredienti e tradizioni.

Paulo Airaudo e una cucina italiana senza formalismi

Chef e proprietario del Paulo Airaudo Group, con sede a San Sebastián, Airaudo guida un gruppo internazionale che conta otto stelle Michelin distribuite tra undici ristoranti in Spagna, Italia, Hong Kong e Thailandia. A Portale definisce il concept culinario e la direzione gastronomica, mentre la cucina è interpretata dall’head chef Mirko Margheri.

La visione dello chef parte da un’idea precisa: restituire centralità alla cucina italiana più familiare, quella che si prepara in casa e si porta in tavola per stare insieme. La tecnica rimane uno strumento importante, ma non diventa protagonista a discapito del gusto.

«Portale nasce dal mio amore per la cucina italiana più autentica: quella con cui si cresce, quella che si prepara in casa e si condivide attorno a una tavola senza fretta», racconta Airaudo.

Il suo approccio valorizza preparazioni essenziali, nelle quali pomodoro, pane e olio extravergine d’oliva assumono un ruolo centrale. Il tocco contemporaneo emerge nei dettagli, nelle consistenze e negli abbinamenti, senza allontanare i piatti dalla loro identità originaria.

Ne deriva una proposta pensata per essere accessibile e conviviale. Una cucina che guarda alla Toscana e alle sue tradizioni, ma che si rivolge anche a un pubblico internazionale, attraverso un linguaggio capace di unire familiarità e ricerca.

Il menu tra sapori toscani e interpretazioni contemporanee

La carta segue la stagionalità e valorizza ingredienti di qualità, con piatti che raccontano il legame con il territorio. Tra le proposte figurano la pappa al pomodoro con burrata di bufala, i ravioli ripieni di finocchiona e pecorino toscano con fondo di scalogno e la suprema di pollo con crema di melanzane e cipollotto.

Non mancano i fagioli all’uccelletto, riferimento diretto alla tradizione regionale. Accanto a questi sapori trovano spazio interpretazioni che attraversano la cucina italiana, mantenendo un equilibrio tra riconoscibilità e sperimentazione.

Il risotto Acquerello con acqua di pomodoro, Parmigiano Vacche Rosse e aceto balsamico propone un incontro tra ingredienti dalla forte identità. Gli spaghettoni alla Nerano con gambero rosso di Mazara accostano invece la tradizione campana a una materia prima dal carattere marino.

La carta comprende anche il filetto di baccalà con crema di ceci e rosmarino e il filetto di manzo alla Rossini, accompagnato da millefoglie di patate e tartufo nero estivo.

Anche i dessert seguono questa logica. Il tiramisù convive con proposte più insolite, come la panna cotta al basilico con fragole e aceto balsamico. Le pere con ricotta, Vin Santo e noci richiamano invece ingredienti e sapori legati alla cultura gastronomica italiana.

Il menu riflette così l’identità del progetto: partire da riferimenti familiari e rileggerli attraverso accostamenti misurati, senza perdere di vista il piacere della tavola.

Portale Bar, l’aperitivo incontra la mixology

L’esperienza si sviluppa in due ambienti complementari, pensati per accompagnare momenti diversi della giornata. Il ristorante dispone di 30 coperti, mentre il Portale Bar ne accoglie 10. In totale, gli spazi possono ospitare 40 persone.

Il bar è dedicato soprattutto all’aperitivo e agli incontri informali. La proposta comprende una selezione di snack, cocktail d’autore e grandi classici della mixology. Tra le creazioni originali spicca Per Non Dormire, a base di rum solera, Campari, vermouth rosso e angostura. Il nome richiama il motto storico di Porta Rossa, custodito anche in una vetrata d’epoca.

La carta include inoltre Basil Royal, Blueberry Gin Sparkle e Florentine Whisky Delight, insieme a cocktail come Negroni, Americano, Martini, Manhattan, Old Fashioned, Espresso Martini, Margarita, Hugo e Spritz. Non mancano distillati, vini toscani e italiani, disponibili anche al calice, e alternative analcoliche come l’Apple Spiced Mule.

L’obiettivo è valorizzare l’aperitivo come momento di incontro, in un ambiente accogliente e rilassato. Una dimensione che affianca la proposta gastronomica e amplia le occasioni per vivere il ristorante, anche senza fermarsi per una cena completa.

Un ristorante contemporaneo dentro la storia di Firenze

L’identità di Portale dialoga con quella dell’hotel che lo ospita. Porta Rossa Hotel Firenze, Colbert Collection, nasce in un edificio storicamente legato all’accoglienza dei mercanti della seta. Nel corso dei secoli, la struttura si è trasformata da dimora storica a boutique hotel, conservando elementi architettonici e dettagli che raccontano il suo passato.

L’edificio dispone di 69 camere e suite, ispirate agli ambienti privati di un palazzo rinascimentale. Tra gli spazi più caratteristici figura la Torre Monalda Suite, ricavata in una torre medievale del XIII secolo e affacciata sulla città con una vista panoramica a 360 gradi.

Porta Rossa è inoltre la prima struttura inaugurata sotto Colbert Collection, il brand premium internazionale di Minor Hotels dedicato a un’ospitalità in cui arte, cultura, gastronomia e identità della destinazione assumono un ruolo centrale.

«La nostra ambizione era creare un ristorante che appartenesse davvero a Firenze: un luogo in cui i fiorentini possano riconoscersi e dove i visitatori internazionali possano scoprire la città attraverso la sua cultura gastronomica», spiega Giacomo Sarnataro, General Manager dell’hotel.

Con Portale by Paulo Airaudo, la tradizione dell’ospitalità fiorentina incontra dunque una proposta gastronomica contemporanea. Il risultato è un progetto che mette al centro la cucina italiana, il valore degli ingredienti e la convivialità, offrendo un nuovo punto di incontro tra la città e chi la visita.

Portale by Paulo Airaudo si trova all’interno di Porta Rossa Hotel Firenze, Colbert Collection. Il ristorante è aperto dal martedì al sabato, dalle 19 alle 22. Il Portale Bar accoglie gli ospiti negli stessi giorni, dalle 17.30 a mezzanotte.

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Un castello misterioso, un professore eccentrico e una comunità di creature mostruose tanto improbabili quanto irresistibili. È questo l’universo di Frankie e le creature dimenticate, il film d’animazione diretto da Steve Hudson, in arrivo al cinema dal 15 ottobre con la distribuzione di Vertice 360. Tratto dalla fortunata serie di libri per ragazzi TestaCucita (Stitch Head) di Guy Bass, il film rilegge in chiave originale e ironica l’immaginario legato alla creatura di Frankenstein, trasformandolo in un’avventura per tutta la famiglia.

Dietro le atmosfere gotiche e le situazioni comiche si sviluppa una storia che affronta temi profondamente universali: il desiderio di essere riconosciuti, la ricerca di un posto nel mondo e la capacità di accettare ciò che ci rende diversi. Un racconto pensato per il pubblico più giovane, ma capace di parlare anche agli adulti attraverso personaggi che si confrontano con la solitudine, il bisogno di appartenenza e il valore dei legami autentici.

Frankie Testa Cucita e il sogno di essere amato

In un castello che domina una piccola cittadina, un professore dà vita a creature sempre più bizzarre, per poi dimenticarsene puntualmente. A occuparsi di loro è Frankie Testa Cucita, la sua prima creazione: timido, premuroso e instancabile, cerca di mantenere l’ordine tra gli abitanti del castello e di impedire che le loro stravaganze provochino la reazione della temutissima folla inferocita degli umani.

Nonostante la dedizione con cui si prende cura degli altri, Frankie vive nell’ombra e soffre per l’indifferenza del suo creatore, una figura paterna incapace di riconoscerne il valore. Il suo desiderio più grande è essere finalmente visto, apprezzato e amato.

L’equilibrio della sua esistenza cambia quando in città arriva Fulgenzio Trovamostri, impresario di uno spettacolo itinerante in cerca di una nuova attrazione. Convinto di aver trovato nel piccolo mostro il protagonista ideale, gli promette fama, fortuna e la possibilità di conquistare l’affetto che gli è sempre mancato.

Attratto dalla prospettiva di una vita diversa, Frankie decide di lasciare il castello e gli amici di sempre. L’esperienza lo porterà, tuttavia, a confrontarsi con una verità inattesa: la popolarità non coincide necessariamente con l’amore e il riconoscimento pubblico non può sostituire la vicinanza di chi ci conosce davvero. Quello che ha cercato così a lungo potrebbe essere già presente nella sua vita, proprio nei legami che rischia di perdere.

Il viaggio di Frankie diventa così un percorso di crescita e consapevolezza, nel quale la scoperta della propria identità passa attraverso la capacità di riconoscere e ricambiare l’affetto ricevuto.

Una commedia d’avventura tra horror classico e cinema muto

Pur ispirandosi alla leggenda di Frankenstein, Frankie e le creature dimenticate non è un film horror, ma una commedia d’avventura che gioca con i codici del genere. Il castello, il laboratorio del professore, le creature nate da esperimenti improbabili e gli abitanti pronti a scendere in strada con i forconi richiamano un immaginario cinematografico consolidato, riletto attraverso il linguaggio dell’umorismo.

Nelle note di regia, Steve Hudson racconta la volontà di divertirsi con i cliché del cinema di genere, dalle produzioni di serie B degli anni Cinquanta all’Espressionismo tedesco, passando per l’opera di James Whale. Questi riferimenti diventano parte di un universo visivo che utilizza il gotico come punto di partenza, senza lasciarsi dominare dall’orrore.

Una delle principali fonti d’ispirazione è il cinema muto, in particolare il lavoro di Buster Keaton. La centralità dell’inquadratura, la macchina da presa fissa e frontale e la precisione dei movimenti contribuiscono a costruire situazioni comiche nelle quali personaggi e oggetti possono apparire e scomparire inaspettatamente. Il risultato è un linguaggio visivo che invita lo spettatore a osservare attentamente la scena, aspettando la sorpresa successiva.

La comicità nasce anche dal contrasto tra la solennità delle atmosfere gotiche e la quotidianità delle situazioni. Se il professore continua a creare mostri, chi deve occuparsi di loro? Dove possono vivere? E come impedire che le loro bizzarrie provochino il panico tra gli abitanti della cittadina? Sono proprio queste domande, apparentemente semplici, a trasformare il mito in un racconto ironico sulla convivenza e sulla responsabilità.

Un universo animato tra ombre, colori e creature fuori dagli schemi

L’identità visiva del film prende le mosse dai libri originali di Guy Bass, illustrati da Pete Williamson con disegni a inchiostro in bianco e nero, caratterizzati da un’estetica macabra e da una particolare attenzione all’espressività dei personaggi.

Nel passaggio all’animazione tridimensionale, questo immaginario viene reinterpretato attraverso una palette ricca di colori e contrasti. Le ombre, le architetture irregolari del castello e la creatività delle creature rimangono elementi centrali, ma vengono rielaborati in una dimensione più luminosa e giocosa. I colori primari, le forme eccentriche e la cura per i dettagli contribuiscono a rendere riconoscibili personaggi e ambienti, mantenendo un equilibrio tra il fascino del gotico e la leggerezza della commedia.

Ogni creatura possiede una propria identità, con caratteristiche che ne sottolineano l’unicità. La diversità non viene presentata come qualcosa da correggere o nascondere, ma come un elemento che arricchisce la comunità e alimenta le possibilità narrative del film.

L’aspetto visivo non è quindi soltanto una componente decorativa, ma parte integrante del racconto: attraverso le forme, i colori e le situazioni comiche, il film costruisce un mondo nel quale ciò che appare insolito può rivelarsi sorprendentemente familiare.

Il valore dell’amicizia e il coraggio di accettarsi

Al centro del progetto di Steve Hudson c’è una storia di crescita che affronta una delle paure più comuni: quella di non essere abbastanza per meritare l’amore degli altri. Dimenticato dal professore e incapace di riconoscere pienamente il valore dei propri legami, Frankie finisce per inseguire le promesse superficiali dello spettacolo e della celebrità, convinto che il successo possa colmare il vuoto lasciato dall’indifferenza.

La sua ricerca si scontra progressivamente con la realtà. Le creature di cui si è preso cura per anni e, soprattutto, il suo migliore amico Creatura rappresentano un affetto sincero, che non dipende dall’aspetto fisico, dalla popolarità o dalla capacità di attirare l’attenzione.

Il contrasto tra Frankie e Creatura diventa uno dei nuclei emotivi del racconto. Se il primo è segnato dalla sofferenza e dall’isolamento, il secondo incarna una forma di amore incondizionato, capace di resistere alle incomprensioni e alle scelte sbagliate. Nel corso dell’avventura, Frankie dovrà imparare ad accettare la propria natura e a riconoscere il valore della comunità a cui appartiene.

Il regista collega questo tema anche alla contemporaneità, nella quale l’attenzione e il riconoscimento rischiano di essere misurati attraverso la popolarità e i numeri dei social media. In un contesto in cui sembra non esserci mai abbastanza visibilità, la storia di Frankie propone un’alternativa: il valore personale non si misura attraverso l’approvazione degli altri, ma si costruisce anche attraverso i rapporti autentici e la possibilità di sentirsi accolti.

Frankie e le creature dimenticate si presenta così come un’avventura divertente e ricca di immaginazione, capace di affrontare con leggerezza temi importanti. Tra mostri, gag e atmosfere gotiche, il film ricorda che accettare sé stessi significa anche riconoscere l’affetto che ci circonda e trovare il coraggio di farne parte.

Perché, a volte, il posto che cerchiamo lontano da casa è proprio quello in cui qualcuno ci ha sempre aspettato.

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«Vorrei un’altra vita per imparare il colore». In queste parole, pronunciate da Luigi Serra, si racchiude una delle tensioni più profonde della sua ricerca artistica: il desiderio di continuare a imparare, sperimentare e perfezionarsi, senza arrivare mai a considerare concluso il proprio percorso. Un’insoddisfazione che non si esaurisce nella dimensione tecnica della pittura, ma restituisce il ritratto di un artista inquieto, esigente con sé stesso e costantemente impegnato a confrontarsi con i limiti della propria espressione.

A 180 anni dalla sua nascita, il Museo Ottocento Bologna dedica al pittore felsineo la mostra Luigi Serra (1846-1888). «Vorrei un’altra vita per imparare il colore». A 180 anni dalla nascita, in programma dal 6 novembre 2026 all’8 marzo 2027. Curata da Francesca Sinigaglia, l’esposizione riunisce oltre 100 opere, tra dipinti a olio, acquerelli, disegni e documenti, proponendo la più ampia ricognizione mai realizzata sulla vita e sull’attività di uno dei protagonisti della pittura bolognese dell’Ottocento.

Il progetto espositivo si sviluppa attraverso dieci sezioni tematiche e ricostruisce le diverse tappe della carriera di Serra, dalla formazione ai riconoscimenti nazionali, dai soggiorni nelle principali città d’arte italiane agli ultimi anni di attività. Un percorso che intende restituire non soltanto la statura del pittore, ma anche la complessità dell’uomo, le sue fragilità e quella tensione verso la perfezione che accompagnò la sua breve esistenza.

L’autoritratto ferito: il segno di un’inquietudine creativa

Il fulcro simbolico della mostra è un’opera tanto significativa quanto insolita: l’Autoritratto presso lo Studio Quattro Fontane 88 (Roma), realizzato nel marzo 1884 e conservato al Museo Ottocento Bologna. Il dipinto, un olio su carta di appena 22 per 13 centimetri, porta sulla superficie le tracce di una vicenda personale che sembra tradurre materialmente il tormento dell’artista.

Serra, insoddisfatto del risultato, arrivò infatti a strappare l’opera in un momento di profondo sconforto. Fu l’amico scultore Enrico Barbèri a recuperarla pazientemente, preservandone la testimonianza. Le lesioni rimaste sulla carta trasformano così l’autoritratto in qualcosa di più di una semplice immagine: sono il segno tangibile di un conflitto tra l’ambizione artistica e l’impossibilità di raggiungere un ideale di perfezione.

Per la prima volta, questo lavoro sarà valorizzato all’interno di un percorso che lo assume come filo conduttore dell’intera esposizione. Attraverso il dipinto, il visitatore è invitato a guardare oltre la produzione di un maestro affermato, avvicinandosi alla dimensione più intima della sua ricerca.

Accanto all’autoritratto, la mostra presenta opere che testimoniano la varietà della produzione di Serra e la sua capacità di confrontarsi con soggetti e registri differenti. Tra queste figura Annibale Bentivoglio prigioniero nel castello di Varano, concerta la fuga con certo Zanese parolaio, del 1870, proveniente dal Collegio Artistico Venturoli, insieme a Le confidenze del 1882 e a una Scena storica, bozzetto preparatorio per una grande opera commissionata dal Circolo Artistico di Bologna e proveniente da una collezione privata.

Da Bologna a Firenze e Roma: la formazione di un maestro

Nato a Bologna nel 1846, Luigi Serra si formò presso il Collegio Artistico Venturoli, dove acquisì le basi del disegno e della rappresentazione figurativa, proseguendo poi gli studi all’Accademia di Belle Arti. La sua carriera si sviluppò in un periodo di profonde trasformazioni culturali, nel quale gli artisti erano chiamati a confrontarsi con nuovi linguaggi e con le istituzioni di un’Italia da poco unificata.

La vittoria del Pensionato Angiolini gli consentì di soggiornare a Firenze e Roma, città fondamentali per la sua crescita professionale. Qui Serra entrò in contatto con ambienti artistici e culturali di primo piano, costruendo progressivamente una reputazione che avrebbe superato i confini della sua città natale.

Il riconoscimento arrivò anche attraverso le acquisizioni istituzionali: alcune sue opere entrarono nelle raccolte dei Musei Vaticani e della Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma quando il pittore era ancora in vita. Un risultato significativo, che conferma il ruolo raggiunto da Serra nel panorama artistico nazionale nonostante la morte prematura, avvenuta nel 1888, a soli 42 anni.

La retrospettiva segue questa traiettoria in ordine cronologico, soffermandosi sulle prime esperienze formative, sui riconoscimenti ottenuti con la Società Protettrice di Belle Arti e sugli anni trascorsi a Roma. In questa fase si inseriscono anche i rapporti con la Maison Goupil, realtà di riferimento per la circolazione e il mercato internazionale delle opere d’arte.

Il teatro, Venezia e gli ultimi anni

Il percorso espositivo amplia lo sguardo oltre la pittura da cavalletto, documentando le diverse occasioni professionali affrontate da Serra. Una sezione è dedicata al sipario e alle decorazioni realizzati per il Teatro Gentile di Fabriano, testimonianza del suo confronto con la dimensione monumentale e decorativa dell’arte.

Seguono gli anni veneziani legati alla Pensione Triennale e il ritorno a Roma, dove l’artista lavorò anche per la chiesa di Santa Maria della Vittoria. Il percorso approfondisce inoltre il rapporto professionale e personale con la pittrice Attilia Marini, dal cui lascito proviene un nucleo di opere finora sconosciute, destinato ad arricchire la ricostruzione della sua attività.

Tra gli ultimi capitoli trovano spazio il ciclo decorativo dell’Irnerio di Palazzo d’Accursio e la storia della fortuna postuma di Serra. Dopo la sua scomparsa, la conservazione e lo studio del patrimonio artistico furono affidati alla cura di collezionisti e istituzioni. Nel 1922 la Pinacoteca Nazionale di Bologna acquisì un importante fondo di disegni, dipinti e documenti, contribuendo a preservare una parte essenziale della sua produzione.

Oltre 100 opere e un corpus di disegni mai esposto integralmente

Uno degli elementi più rilevanti della mostra è la possibilità di osservare materiali provenienti da importanti istituzioni e collezioni private. Tra i prestatori figurano i Musei Vaticani, la Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Roma, la Galleria d’Arte Moderna di Firenze, la Pinacoteca Nazionale di Bologna, il Collegio Artistico Venturoli, la Fondazione Cassa di Risparmio di Bologna, il MAMbo – Museo d’Arte Moderna di Bologna e l’Accademia di Belle Arti di Bologna.

A questi si aggiungono opere provenienti da collezioni private, comprese quelle degli eredi testamentari di Bologna e Napoli. La collaborazione tra istituzioni e collezionisti consente di riunire testimonianze altrimenti disperse, offrendo una lettura più ampia della produzione dell’artista.

Particolarmente importante è la presentazione dell’intero corpus dei 200 disegni appartenenti al patrimonio del Museo Ottocento Bologna, insieme a dipinti finora mai esposti. I fogli permettono di avvicinarsi al processo creativo di Serra, osservando il lavoro preparatorio, la ricerca compositiva e la precisione grafica che precedevano la realizzazione delle opere.

La mostra non si limita, dunque, a ripercorrere una carriera: ricostruisce il metodo di lavoro di un artista che tornava continuamente sui propri soggetti, studiandoli e rielaborandoli nel tentativo di raggiungere una forma espressiva sempre più compiuta.

Il Museo Ottocento Bologna e la valorizzazione della pittura felsinea

Inaugurato il 20 aprile 2023 e gestito dalla Fondazione Ottocento, il Museo Ottocento Bologna è dedicato alla tutela, allo studio e alla valorizzazione della pittura bolognese del XIX e del primo Novecento. La collezione permanente comprende circa 100 opere databili tra il 1840 e il 1930, inserite in un percorso che affianca alla ricerca storico-artistica una proposta espositiva accessibile.

Nel corso della sua attività, il museo ha promosso mostre monografiche dedicate a figure della pittura italiana, tra cui Carlotta Gargalli, Mario de Maria, conosciuto come Marius Pictor, la dinastia dei Savini e Lea Colliva. Le esposizioni, accompagnate da cataloghi scientifici, si inseriscono in un più ampio lavoro di ricerca e valorizzazione del patrimonio artistico.

Il museo conserva inoltre importanti archivi storici, tra cui l’Archivio Fabio Fabbi e l’Archivio Emilio Oliviero Contini, e collabora con l’Università di Bologna e l’Accademia di Belle Arti attraverso progetti formativi e tirocini.

La retrospettiva dedicata a Luigi Serra si colloca in questa prospettiva, restituendo centralità a un artista che, pur avendo conosciuto importanti riconoscimenti in vita, morì prima di compiere 43 anni. Un’occasione per rileggere la pittura bolognese dell’Ottocento attraverso una figura che seppe affermarsi nel panorama nazionale, lasciando un patrimonio di opere e documenti ancora capace di aprire nuove prospettive di studio.

A completare il progetto, da gennaio a marzo 2027, è previsto un ciclo di incontri gratuiti presso la sede di Confcommercio Ascom Bologna. Storici dell’arte e specialisti approfondiranno la vita e l’opera del pittore, offrendo al pubblico ulteriori strumenti per comprendere il contesto culturale e la complessità della sua ricerca.

Informazioni sulla mostra

Luigi Serra (1846-1888). “Vorrei un’altra vita per imparare il colore”. A 180 anni dalla nascita

A cura di: Francesca Sinigaglia

Patrocini: Comune di Bologna, Regione Emilia-Romagna, Città di Fabriano, Fondazione Bologna Welcome, Confcommercio Ascom Bologna, Accademia di Belle Arti di Bologna, Università di Bologna – Dipartimento delle Arti (DAR), Comitato per la Bologna Storica e Artistica, Associazione per le Arti Francesco Francia, Camera di Commercio, Industria, Artigianato e Agricoltura di Bologna

Apertura al pubblico: 6 novembre 2026, dalle ore 14

Date: 6 novembre 2026 – 8 marzo 2027

Sede espositiva: Museo Ottocento Bologna, piazza San Michele 4/C Bologna

Orari di apertura: tutti i giorni, ore 10 – 19

Ingressi: 12 € intero / 10 € ridotto (Card Cultura, Bologna Welcome Card, studenti, disabili e accompagnatori, gruppi dalle 7 persone in su, bambini dai 6 anni, insegnanti, giornalisti) / gratuito (bambini sotto i 6 anni e guide turistiche con patentino) / Studenti Università di Bologna sconto 50%

Informazioni e prenotazioni: tel. 051 4989511 | info@mobologna.it 

Web: mobologna.it | Facebook | Instagram

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Il titolo della collezione, A Gentle Echo, ha racchiuso l’intenzione del brand di restituire l’affetto e il sostegno ricevuti nel corso del proprio percorso. Un sentimento personale diventato il punto di partenza per una riflessione sulla moda quotidiana, attraverso capi leggeri e materici, concepiti per trasmettere una sensazione di naturalezza, serenità e gioia.

Il quadrifoglio: simbolo di fortuna e gratitudine

Al centro della proposta Primavera/Estate 2027 è comparso il quadrifoglio, simbolo universale di fortuna, protezione e buon auspicio. Gongdid Design ha scelto di non ricorrere a una rappresentazione letterale del motivo, sviluppando piuttosto un immaginario discreto, nel quale il simbolo si è inserito con delicatezza all’interno delle creazioni.

Quadrifogli nascosti hanno animato una nuova stampa ispirata ai dipinti floreali vintage, dialogando con il Wavy Floral Logo, elemento distintivo del marchio. Memoria, simbolismo e ricerca formale si sono così intrecciati in una narrazione visiva sottile, pensata per emergere attraverso dettagli e accostamenti.

Plissé, ricami e sperimentazione tessile

La ricerca sui materiali e sulle tecniche di lavorazione ha rappresentato uno degli elementi centrali della collezione. Per la stagione SS27, Gongdid Design ha introdotto stampi di carta realizzati a mano attraverso il proprio processo di plissettatura manuale. Le prime sperimentazioni, inizialmente sviluppate a partire dalla forma del quadrifoglio, si sono evolute in una struttura floreale a quattro petali, successivamente trasformata in un motivo plissé distintivo, caratterizzato da profili appuntiti.

Il ricamo ha contribuito ad arricchire le superfici, aggiungendo profondità e una dimensione tattile alle creazioni. Accanto a queste lavorazioni, le iconiche pieghe ondulate del brand sono state reinterpretate in nuove camicie dalla lunghezza integrale e pantaloni capri, ampliando il repertorio stilistico della maison.

Il risultato ha valorizzato il dialogo tra costruzione artigianale e sperimentazione, facendo della lavorazione tessile non soltanto una scelta tecnica, ma uno strumento espressivo attraverso cui dare forma all’identità del marchio.

Materiali consapevoli e nuove texture

L’esplorazione materica è rimasta centrale anche nella scelta dei tessuti. La collezione ha confermato l’impiego del poliestere riciclato nell’approccio del brand alla ricerca sui materiali, mentre alcuni capi della proposta maschile hanno introdotto tessuti misti con fibra di bambù, selezionati per la loro maggiore morbidezza a contatto con il corpo.

Queste scelte si sono inserite in una visione progettuale attenta alla sensorialità dei materiali e alla vestibilità, in cui la qualità tattile ha accompagnato silhouette essenziali e lavorazioni riconoscibili.

Palazzo Landriani, una cornice in dialogo con la collezione

La presentazione milanese è stata realizzata con la produzione di Moon Studio, realtà con sede a Copenaghen, mentre gli allestimenti floreali sono stati curati da PHKA, studio floreale di Bangkok.

La cornice di Palazzo Landriani ha contribuito a estendere lo spirito di A Gentle Echo oltre gli abiti, attraverso un ambiente in cui forme organiche, sensibilità floreale e attenzione artigianale hanno accompagnato il racconto della collezione. L’allestimento ha così dialogato con la ricerca del brand, rafforzando il legame tra moda, materia e atmosfera.

Gongdid Design: la gratitudine diventa un linguaggio creativo

Con il debutto ufficiale alla Milano Fashion Week, Gongdid Design ha presentato una collezione che ha riunito plissé, ricami, simboli nascosti e silhouette essenziali in una narrazione coerente con il proprio universo creativo. A Gentle Echo ha trasformato la gratitudine in un gesto affidato agli abiti, ai dettagli e alla cura delle lavorazioni.

Una proposta Primavera/Estate 2027 nella quale la dimensione emotiva si è tradotta in ricerca formale, dando vita a un guardaroba che ha privilegiato delicatezza, tattilità e una visione della moda capace di comunicare anche attraverso ciò che rimane sottile e nascosto.

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In occasione della Milano Fashion Week, domenica 27 settembre 2026, la Sala Cristalli dell’Hotel Principe di Savoia a Milano ospita un Private Showcase dedicato all’alta gioielleria, organizzato da BRN Communication con Dress_Code Magazine nel ruolo di Media Partner. Un appuntamento che riunisce sette maison italiane e internazionali, mettendo al centro l’incontro tra artigianalità, ricerca gemmologica e visione contemporanea.

Sethi Gioielli, Brarda, Ansuini 1860, d’Avossa, Spinelli Gioielli, Costis Jewelry e Pasquini Roma sono i protagonisti di una selezione che racconta interpretazioni differenti del gioiello: dalla tradizione orafa italiana alle contaminazioni culturali, dalle gemme rare alle creazioni scultoree, fino ai progetti personalizzati concepiti intorno alla storia e alla personalità di chi li indossa.

Il Private Showcase si propone come un’occasione per scoprire creazioni che superano la funzione ornamentale e si avvicinano al linguaggio dell’arte, attraverso lavorazioni preziose, ricerca estetica e identità progettuali riconoscibili.

Sethi Gioielli: l’incontro tra cultura indiana e savoir-faire italiano

Con radici a Jaipur, storico centro internazionale delle pietre preziose, Sethi Gioielli porta nell’alta gioielleria una tradizione gemmologica familiare che si tramanda da oltre cinquant’anni. Dal 2005 questa esperienza si traduce in una visione contemporanea della fine jewellery, capace di coniugare il patrimonio indiano con l’eleganza e la maestria artigianale italiana.

Diamanti, smeraldi, rubini, zaffiri e gemme colorate sono al centro di creazioni che traggono ispirazione dall’arte, dall’architettura, dalla natura e dalla storia. Ogni gioiello viene concepito come un oggetto dotato di una propria identità narrativa, capace di esprimere individualità, emozioni e memoria personale.

Il controllo diretto del processo creativo e l’attenzione nella selezione delle pietre rappresentano elementi centrali della filosofia della maison, che trova nella boutique di Ponte Vecchio, a Firenze, un punto d’incontro tra culture e tradizioni.

Brarda: l’eccellenza artigianale e la gioielleria su misura

Fondata nel 2002 dal maestro orafo e designer Giancarlo Brarda, la maison Brarda Creazioni di Gioielleria sviluppa una ricerca che mette al centro la produzione artigianale e l’unicità. Nell’atelier di Pinerolo, ogni creazione nasce dall’incontro tra competenza tecnica, sperimentazione estetica e attenzione alla personalità di chi la indosserà.

Il percorso formativo di Brarda comprende gli studi in metalli e oreficeria presso l’Istituto d’Arte Amleto Bertoni di Saluzzo e la specializzazione in gemmologia al Gemological Institute of America, dove ha conseguito la qualifica di Graduate Gemologist.

Oro, platino e gemme pregiate vengono lavorati attraverso un processo che privilegia la cura del dettaglio e la personalizzazione. Accanto all’alta gioielleria e ai progetti su misura, la Renew Collection propone un approccio orientato alla trasformazione di gioielli esistenti in nuove creazioni contemporanee.

Dall’idea iniziale alla realizzazione finale, il designer segue direttamente il progetto, avvalendosi di una rete selezionata di artigiani e laboratori specializzati, anche nel distretto orafo di Valenza. Eccellenza, autenticità ed esclusività definiscono così una filosofia che si distanzia dalla produzione seriale per valorizzare il rapporto tra oggetto, artigiano e persona.

Ansuini 1860: la tradizione romana reinterpretata in chiave contemporanea

Fondata nel 1860, Ansuini 1860 è una storica maison romana di alta gioielleria, la cui tradizione artigianale si tramanda da sei generazioni. La lavorazione manuale rimane al centro dell’identità del marchio: le creazioni vengono disegnate e realizzate a mano dai maestri orafi della maison.

Roma rappresenta la principale fonte d’ispirazione, con il suo patrimonio artistico, architettonico e culturale. L’eleganza della Città Eterna e le forme del Barocco vengono reinterpretate attraverso un linguaggio contemporaneo, caratterizzato da colori caldi, linee morbide, pietre preziose e grande attenzione ai dettagli.

La collezione Roma esprime in modo particolare questo legame con il territorio, mentre diamanti, smeraldi, rubini, zaffiri e altre gemme definiscono un universo creativo fondato sulla ricchezza della materia e sull’unicità delle lavorazioni.

La maison ha sede nello storico Palazzo Massimo, a pochi passi da Piazza Navona. Una collocazione che rafforza il rapporto con la città e con una concezione dell’alta gioielleria in cui la memoria artigianale dialoga con le esigenze estetiche del presente.

d’Avossa: gemme rare e creazioni dalla forte identità

Con un marchio in uso dal 1975, d’Avossa Gioielli interpreta il gioiello come una forma d’arte, privilegiando pezzi unici, edizioni estremamente limitate e progetti personalizzati. La sua identità si distingue per le lavorazioni esclusive dell’oro, le forme morbide e avvolgenti e una ricerca cromatica che trova nelle gemme rare uno dei propri elementi caratterizzanti.

Tormaline Paraiba, tanzaniti, morganiti, granati mandarino, perle Melo, zaffiri stellati e corallo Peau d’Ange figurano tra le pietre che alimentano la ricerca della maison, spesso accostate a diamanti fancy dai colori naturali.

Tra gli elementi distintivi compare l’incastonatura definita «a polvere di stelle», che crea sull’oro una superficie luminosa attraverso la disposizione dei diamanti. Un dettaglio tecnico che diventa parte integrante del linguaggio estetico del marchio.

La dimensione creativa si sviluppa anche attraverso un confronto tra generazioni: madre e figlia condividono idee, accostamenti cromatici e sperimentazioni sulle forme, successivamente tradotti in gioielli grazie alla collaborazione con maestri orafi.

Collezioni come The Masterpiece, Rainbow, Ribbon, Sunshine, Starry Night e A Thousand Chains raccontano un lusso sofisticato e anticonvenzionale. La maison è presente con il proprio atelier in via Borgognona, nel cuore di Roma, e con una boutique a Porto Cervo.

Spinelli Gioielli: la gemmologia come punto di partenza

Spinelli Gioielli nasce dall’esperienza familiare di Mineralcenter, realtà legata alla gemmologia e alla mineralogia. Ad Abano Terme, Lucia, Marco e Paolo Spinelli portano avanti l’eredità del padre Mario, sviluppando una visione contemporanea dell’alta gioielleria in cui la conoscenza delle pietre preziose incontra la ricerca creativa.

Le gemme sono il fulcro del processo progettuale: selezionate e valorizzate attraverso materiali ricercati e lavorazioni di alto livello, diventano il punto di partenza per creazioni che dialogano con il design, l’arte e le contaminazioni della moda.

Il savoir-faire di orafi, cesellatori e incastonatori si accompagna alla sperimentazione di forme e materiali, mentre la possibilità di realizzare gioielli bespoke e made to measure consente di sviluppare progetti costruiti intorno ai desideri e alla personalità del cliente.

A sostenere questa ricerca è anche la competenza gemmologica del laboratorio Mineralcenter Gem-Lab. Il risultato è una concezione del lusso intima e personale, nella quale la qualità della materia si combina con la libertà progettuale e con il valore emotivo del gioiello.

Costis Jewelry: il gioiello come scultura da indossare

Fondata dal designer greco Konstantinos Chamamtzis, conosciuto come Costis, la maison Costis Jewelry nasce dall’incontro tra arte, natura, architettura e osservazione della vita quotidiana.

Dopo aver iniziato il proprio apprendistato a 17 anni, il designer si è formato presso l’Istituto Benvenuto Cellini di Valenza, aprendo successivamente uno studio ad Atene. Oggi le creazioni vengono realizzate nel laboratorio di Valenza sotto la sua diretta supervisione, in un dialogo tra sensibilità artistica greca ed eccellenza artigianale italiana.

La cifra stilistica del marchio risiede nella capacità di trasformare elementi comuni, come matite, conchiglie, onde, fiori e forme naturali, in gioielli scultorei, sofisticati e spesso tridimensionali. Il colore e le pietre preziose diventano strumenti espressivi attraverso cui esplorare volumi, movimento e proporzioni.

Le collezioni si articolano in quattro universi creativi: Color Enchantment, Architectural Grace, Movement and Flow e Inspired by Real Life. Accanto a queste linee, la maison realizza pezzi unici e gioielli su misura, seguendo direttamente il percorso che conduce dal primo disegno alla creazione finale.

Il gioiello si trasforma così da semplice ornamento in una piccola opera d’arte, capace di sorprendere attraverso forme anticonvenzionali e una ricerca estetica fortemente riconoscibile.

Pasquini Roma: una storia di ricerca e bellezza senza tempo

Con oltre venticinque anni di esperienza, Pasquini Roma costruisce la propria identità attraverso viaggi, ricerca e incontri con pietre e materiali preziosi provenienti da diverse parti del mondo. Roma costituisce il riferimento centrale di questo percorso: la sua luce, le sue forme e la sua eredità artistica diventano una fonte d’ispirazione per creazioni che uniscono tradizione e contemporaneità.

Ogni gioiello nasce da un processo artigianale che parte dal disegno e prosegue attraverso la lavorazione dell’oro e l’incastonatura delle pietre. Oro bianco, rosa e nero a 18 carati si combina con diamanti, zaffiri, rubini, smeraldi e altre gemme selezionate, dando forma a creazioni caratterizzate da volumi, colori e dettagli distintivi.

Le collezioni Decò Heritage, Nest, Icon, The Dome e Flower esplorano linguaggi differenti, mantenendo al centro il valore del lavoro manuale e una visione sofisticata della femminilità contemporanea.

La maison interpreta così il gioiello come un oggetto destinato a durare nel tempo e a custodire una storia personale. Una visione in cui l’identità italiana e il legame con Roma si traducono in creazioni che celebrano l’unicità senza rinunciare a una sensibilità attuale.

L’alta gioielleria tra tradizione, ricerca e contemporaneità

Il Private Showcase organizzato da BRN Communication, con Dress_Code Magazine come Media Partner, riunisce sette realtà accomunate dalla volontà di valorizzare il gioiello attraverso percorsi creativi distintivi.  A emergere è un panorama in cui la manualità, la selezione dei materiali e la progettazione personalizzata continuano a rappresentare elementi centrali, mentre il dialogo con arte, architettura, cultura e design apre nuove possibilità espressive.

Nella cornice della Milano Fashion Week, l’appuntamento offre uno sguardo sull’alta gioielleria come territorio di incontro tra eredità e innovazione, nel quale ogni creazione può diventare un segno d’identità, un racconto personale e un oggetto destinato ad attraversare il tempo.

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Per la Primavera/Estate 2027, TELL THE TRUTH porta alla Milano Fashion Week DELILAH, una collezione femminile che rilegge una delle narrazioni più emblematiche di potere, desiderio e tradimento: la storia biblica di Dalila e Sansone. Presentata il 27 settembre 2026 al Major Virtual Tunnel di Milano, all’interno del calendario ufficiale della Camera Nazionale della Moda Italiana, la proposta della maison trasforma il racconto antico in una riflessione contemporanea sulla forza, la vulnerabilità e il controllo.

Fondata e diretta creativamente da Rainy Womack, la casa di moda sviluppa un linguaggio in cui il lusso contemporaneo incontra una sensibilità ribelle. Con DELILAH, questa visione si esprime attraverso contrasti studiati, codici femminili e maschili che si intrecciano e silhouette capaci di oscillare tra rigore ed eccesso, esposizione e occultamento.

Live Report

Le immagini della passerella restituiscono l’atmosfera e il linguaggio visivo di DELILAH, tra proporzioni scultoree, contrasti estetici e una riflessione sul rapporto tra femminilità e potere.

Dalila e Sansone: il potere come seduzione

La storia di Dalila e Sansone costituisce il nucleo narrativo della collezione, ma Rainy Womack sceglie di non tradurla in una rappresentazione letterale del racconto biblico. A interessare la direttrice creativa sono soprattutto le tensioni che lo attraversano: la seduzione che incontra la forza, la vulnerabilità che si trasforma in potere, la devozione che convive con il tradimento.

DELILAH esplora il momento in cui l’intimità diventa uno strumento d’influenza e chi appare più forte si scopre, improvvisamente, esposto. Il potere non viene quindi inteso come una condizione stabile, ma come un equilibrio mutevole, determinato anche dalla percezione e dalla capacità di orientare le relazioni.

Da questa premessa prende forma una collezione che interroga i ruoli tradizionali e le dinamiche di controllo, restituendo una femminilità complessa, lontana da definizioni univoche. Non una storia di debolezza, dunque, ma un’indagine su chi detiene il potere, su come lo esercita e su cosa accade quando gli equilibri cambiano.

Tra sartorialità e streetwear: i contrasti della collezione SS27

La ricerca estetica di TELL THE TRUTH si sviluppa attraverso un dialogo tra codici apparentemente opposti. I riferimenti alla sartorialità incontrano lo streetwear di fascia alta, mentre le proporzioni scultoree contribuiscono a costruire silhouette che alternano contenimento e libertà, delicatezza e decisione.

Le componenti femminili e maschili si sovrappongono e si contaminano, mettendo in discussione confini rigidi e convenzioni consolidate. Il risultato è un guardaroba costruito sulla tensione tra ciò che viene mostrato e ciò che rimane nascosto, tra la precisione della struttura e la possibilità di eccedere.

La provocazione è controllata, affidata al contrasto e alla composizione più che a un’unica dichiarazione visiva. In questa prospettiva, il lusso contemporaneo diventa per la maison uno spazio di sperimentazione, nel quale il rigore formale incontra un’attitudine ribelle e una narrazione culturale riconoscibile.

Una visione estetica che coinvolge l’intera passerella

Per DELILAH, l’abito non rappresenta un elemento isolato, ma parte di un linguaggio visivo più ampio. Styling, beauty, occhiali e gioielli concorrono alla costruzione dell’identità della collezione, contribuendo a tradurre i temi della forza, della seduzione e della trasformazione in un’esperienza coerente.

La presentazione al Major Virtual Tunnel, con la sua dimensione industriale, ha offerto una cornice alla fisicità e all’intensità del progetto. La produzione della sfilata è stata curata da Carnival Staff, responsabile dell’organizzazione e del coordinamento della presentazione milanese.

Tra i partner coinvolti figurano Elle Irwin Jewelry, per i gioielli che completano i look attraverso un dialogo tra delicatezza e carattere, e SUN SUNS, che contribuisce alla costruzione dell’identità della donna TELL THE TRUTH attraverso la propria ricerca nell’eyewear. Il progetto beauty ha visto inoltre la partecipazione di femme®, KI, New York Makeup Academy, StageLine Cosmetics e Wella Professionals, impegnati rispettivamente nell’ambito del trucco, della bellezza e dell’hairstyling.

Un contributo significativo al processo creativo è arrivato anche da Otherwander Soho: Rainy Womack ha infatti disegnato una parte rilevante della collezione all’interno dello spazio del brand, rafforzando il dialogo tra moda, identità ed espressione culturale.

TELL THE TRUTH: il percorso internazionale della maison

Fondata nel 2021 a Los Angeles da Rainy Womack, designer e direttrice creativa statunitense, TELL THE TRUTH è una maison indipendente di lusso con attività a Parigi e produzione in Italia. La sua ricerca si concentra sul prêt-à-porter contemporaneo, attraverso un equilibrio tra minimalismo raffinato, ribellione e narrazione culturale.

Nel corso del proprio percorso, il marchio ha presentato le sue collezioni a New York, Londra, Berlino e Milano, consolidando progressivamente la propria presenza nel panorama internazionale. La sfilata femminile SS27 arriva dopo il debutto milanese della collezione Autunno/Inverno 2026 e la presentazione maschile Primavera/Estate 2027, segnando un ulteriore capitolo nel rapporto della maison con la città.

Con DELILAH, TELL THE TRUTH prosegue la costruzione di un immaginario autonomo, nel quale la moda diventa strumento per raccontare storie senza tempo attraverso un linguaggio attuale. Il riferimento a Dalila e Sansone non si esaurisce nella suggestione biblica, ma apre una riflessione sulle relazioni di potere, sulla percezione della forza e sulla complessità del desiderio.

La Primavera/Estate 2027 si inserisce così nel percorso di una maison che cerca nella contaminazione tra lusso, cultura e provocazione una propria identità: una visione in cui la femminilità non è una definizione immobile, ma uno spazio di trasformazione, contraddizione e consapevolezza.

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La collezione Primavera/Estate 2027 di Casa Preti si intitola Palermo e nasce da una riflessione sul potere delle immagini, sui meccanismi del capitalismo contemporaneo e sulla necessità di sottrarsi alle sue seduzioni. Un progetto che intreccia identità cittadina, ricerca sui materiali e presa di posizione politica, trasformando il guardaroba quotidiano in uno strumento di espressione.

Firmata dall’Art Director Mattia Piazza, la collezione si allontana dalla consueta ricerca del brand su abiti difficili da definire per concentrarsi su un armadio essenziale, composto da capi familiari come mutande, camicie, giacche a vento e jeans. Una scelta che non rinuncia alla sperimentazione, ma la trasferisce nei materiali, nelle immagini e nel significato attribuito agli oggetti.

Live Report

Le immagini del fashion show restituiscono l’identità della collezione Palermo e il dialogo tra ricerca estetica, memoria urbana e impegno civile.

Palermo, un racconto visivo tra identità e capitalismo contemporaneo

Al centro della collezione c’è il rapporto con le immagini e con i processi attraverso cui vengono prodotte, diffuse e consumate. Palermo prende forma da una raccolta di immagini legate alla città, capaci di restituirne tratti e caratteristiche con immediatezza. Non si tratta soltanto di costruire un omaggio al luogo d’origine, ma di interrogare il modo in cui ciò che ci circonda viene osservato, trasformato e investito di nuovi significati.

La riflessione si estende ai meccanismi del capitalismo contemporaneo, che attribuisce valore alle immagini e ai sentimenti, alimentando desideri e richiami seducenti. In questo scenario, la reiterazione e la circolazione delle immagini possono modificarne il significato originario, fino a svuotarle di senso. È proprio in questa trasformazione che Casa Preti individua uno dei nodi centrali della propria ricerca.

La città diventa così molto più di uno sfondo: è un luogo di appartenenza, memoria e ritorno, ma anche il punto di partenza per una riflessione più ampia sul presente.

San Sebastiano e il canto delle sirene

Nella costruzione concettuale di Palermo, la figura di San Sebastiano assume un ruolo significativo. La sua immagine diventa uno strumento per indagare i processi di appropriazione e risignificazione che caratterizzano la cultura contemporanea: un simbolo che, attraverso la ripetizione e la circolazione, si carica di significati differenti e si espone al rischio di perdere la propria profondità.

Accanto a questa figura emerge il richiamo alle sirene, creature ambivalenti il cui canto attrae e seduce, ma dalle quali è necessario anche proteggersi. Casa Preti ne recupera la funzione apotropaica, trasformando il riferimento mitologico in una riflessione sulla capacità di riconoscere e contrastare le seduzioni del sistema economico e culturale contemporaneo.

L’invito alla moderazione attraversa l’intero progetto: resistere al richiamo di ciò che promette gratificazione immediata, interrogarsi sui desideri indotti e recuperare uno sguardo consapevole sul mondo. Palermo si configura così come un invito a non cedere passivamente alle immagini, ma a comprenderne i meccanismi e a scegliere come rapportarsi a esse.

Un guardaroba essenziale, materiali riciclati e riciclabili

Sul piano della modellistica, la collezione segna un cambiamento rispetto alla ricerca abituale di Casa Preti, spesso orientata verso capi difficili da ricondurre a definizioni convenzionali. Per la Primavera/Estate 2027, il brand sceglie invece di costruire un guardaroba essenziale, fatto di elementi quotidiani: mutande, camicie, giacche a vento e jeans.

Sono capi riconoscibili, appartenenti a un lessico condiviso, che vengono reinterpretati attraverso una selezione di materiali coerente con la direzione del progetto: seta, denim e nylon riciclati e riciclabili al 100%, secondo quanto dichiarato dal brand.

La scelta di partire da oggetti familiari introduce un ulteriore livello di lettura. Se l’immagine può essere riprodotta, consumata e trasformata, anche l’abito si presta a essere osservato oltre la sua funzione immediata, diventando parte di una riflessione sul rapporto tra identità, consumo e significato. L’essenzialità del guardaroba non coincide quindi con una rinuncia alla ricerca, ma diventa il mezzo attraverso cui renderla più diretta.

La moda come gesto politico: un no alla violenza

La dimensione politica rappresenta uno degli elementi più espliciti di Palermo. Casa Preti definisce la collezione un gesto di protesta e richiama le origini della Repubblica e della Costituzione italiana, nate dal crollo di un sistema fondato sulla violenza.

La presa di posizione è netta: un rifiuto del fascismo e di tutte le forme attraverso cui continua a contaminare la società. Una dichiarazione che il brand sceglie di rendere evidente, pur nella continuità con una ricerca che, fino a oggi, non ha fatto della comunicazione didascalica o esplicita il proprio tratto distintivo.

La necessità di affermare un principio fondamentale diventa parte integrante del progetto: essere contro la violenza non dovrebbe richiedere spiegazioni, eppure, in un contesto in cui la complessità viene spesso ridotta attraverso contrapposizioni e sopraffazione, ribadirlo assume un valore preciso.

Il rifiuto riguarda anche i sistemi che pretendono di semplificare la realtà ricorrendo alla violenza, negando la pluralità delle esperienze e delle interpretazioni. In questo senso, la collezione supera i confini della riflessione estetica per assumere una posizione sul presente.

Casa Preti Primavera/Estate 2027: ritrovare il senso delle immagini

Con Palermo, Mattia Piazza costruisce un progetto in cui il rapporto con le immagini, la memoria della città e la dimensione politica convergono in una riflessione sulla responsabilità dello sguardo. Che cosa scegliamo di osservare? Quali richiami decidiamo di seguire? E quanto siamo consapevoli dei meccanismi che orientano i nostri desideri e le nostre interpretazioni?

Sono interrogativi che attraversano la collezione senza esaurirsi in un messaggio univoco. Il guardaroba essenziale, i materiali riciclati e riciclabili, il riferimento a San Sebastiano e il richiamo alle sirene partecipano a un discorso più ampio sul modo in cui attribuiamo valore agli oggetti e alle immagini.

Palermo, città dell’eterno ritorno a casa, diventa così il luogo simbolico da cui partire per ritrovare una misura e opporsi alle seduzioni che chiedono un’adesione acritica. La moda si fa linguaggio di una presa di posizione che non rinuncia alla complessità, ma invita a difenderla: un gesto di protesta contro la violenza e un richiamo alla possibilità di scegliere, anziché lasciarsi trascinare.

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Ilaria Sambucci approda su Rai 1 come inviata di Storie Italiane, il programma condotto da Eleonora Daniele. Un traguardo significativo che segna una nuova tappa nel percorso della giornalista, maturato negli anni attraverso esperienze nel mondo dell’informazione televisiva, della radio e dello spettacolo.

«Per me questa è la realizzazione di un traguardo molto importante. Entrare nel servizio pubblico, su Rai 1, all’interno di Storie Italiane, una squadra formata da grandi professionisti, mi riempie di orgoglio e gratitudine».

L’entusiasmo per questa nuova esperienza si accompagna alla soddisfazione di lavorare al fianco di Eleonora Daniele, figura professionale nei confronti della quale Sambucci esprime una profonda stima. «Stimo tanto Eleonora Daniele, sia come donna sia come professionista, e sono davvero felice di lavorare al suo fianco. A lei e alla capo autrice Alessia Sodano devo il mio grazie più grande per aver creduto in me».

Accanto alla gratitudine per questa opportunità, emerge anche una profonda consapevolezza del valore del lavoro giornalistico e della responsabilità che comporta. 

«Il mio obiettivo è fare un giornalismo d’inchiesta capace di scavare a fondo, far emergere ciò che resta nell’ombra e raccontare la verità, anche quando è scomoda».

Dalla cronaca locale a una nuova esperienza televisiva nazionale

Il percorso professionale di Ilaria Sambucci inizia a Canale 21, dove muove i primi passi come redattrice. L’esperienza si amplia successivamente con il lavoro da inviata e con la conduzione del VG21 del Lazio, ruoli che le permettono di approfondire diversi ambiti dell’informazione: dalla cronaca alla politica, dall’attualità alle questioni sociali, fino al racconto del mondo dello spettacolo.

Negli anni, la giornalista arricchisce il proprio bagaglio professionale attraverso collaborazioni con altre realtà televisive e radiofoniche, cimentandosi nei ruoli di autrice, redattrice e conduttrice. Un percorso articolato, sviluppato attraverso esperienze diverse e una conoscenza diretta delle molteplici fasi del lavoro giornalistico: dalla scrittura alla realizzazione dei servizi, fino alle riprese e al montaggio dei contenuti.

Parallelamente all’attività giornalistica, Sambucci porta avanti La Voce dell’Arte, progetto dedicato alla cultura, all’arte e allo spettacolo, che prende forma attraverso servizi, interviste e incontri con artisti e protagonisti del settore. Uno spazio di approfondimento che riflette il suo interesse per il panorama culturale e artistico e affianca il lavoro quotidiano nell’informazione.

Le esperienze maturate tra televisione, radio e approfondimento culturale delineano un percorso professionale trasversale, costruito attraverso ruoli e linguaggi differenti dell’informazione. L’approdo in Rai segna oggi un nuovo capitolo nella carriera di Ilaria Sambucci, aprendo una nuova fase professionale nel panorama televisivo nazionale.

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Live Report

Le immagini della presentazione restituiscono il ritmo e l’identità della collezione MARQUES’ALMEIDA Primavera/Estate 2027, tra silhouette destrutturate, volumi scultorei e contrasti materici che definiscono il linguaggio del brand.

MARQUES’ALMEIDA SS27: tra raffinatezza e irriverenza

La tensione tra elementi apparentemente opposti è da sempre uno dei tratti distintivi di MARQUES’ALMEIDA. Anche per la nuova stagione, il duo formato da Marta Marques e Paulo Almeida sceglie di non ricondurre la propria estetica a un’immagine univoca, ma di alimentarla attraverso contraddizioni, sperimentazioni e accostamenti inattesi.

La raffinatezza acquisita nelle ultime collezioni non viene abbandonata, ma sottoposta a un processo di continua trasformazione. L’eleganza non si traduce in una costruzione rigorosa né nell’adesione a codici convenzionali: viene attraversata da un’attitudine irriverente, che interrompe la compostezza e lascia spazio a una dimensione più istintiva.

La femminilità diventa così un territorio di esplorazione, senza corrispondere a un modello prestabilito. Può essere enfatizzata, esasperata o contraddetta, fino a convivere con elementi che appartengono a un immaginario più pragmatico e funzionale. La collezione si muove proprio in questo spazio di confine, nel quale la libertà espressiva prevale sulla ricerca di un equilibrio formale assoluto.

Volumi scultorei e silhouette destrutturate

La Primavera/Estate 2027 si sviluppa attraverso un articolato gioco di proporzioni. Volumi scultorei si alternano a linee lunghe e affusolate, mentre peplum pronunciati incontrano dettagli cargo e paillettes luminose reinterpretate attraverso forme morbide e maschili.

I volant interrompono la linearità della sartorialità e del denim, introducendo elementi decorativi in un guardaroba che conserva una componente concreta e funzionale. Le gonne lunghe fino a terra convivono con capi ispirati al workwear, mentre gli abiti si concedono un’eccessività deliberata, sottolineata da strascichi che scivolano sul pavimento.

Il risultato non cerca una silhouette perfettamente composta. Al contrario, la costruzione sembra trovare la propria forza proprio nelle interruzioni, negli sbilanciamenti e nella possibilità di lasciare che ogni elemento mantenga una certa autonomia.

Denim, pizzo e contrasti materici

I codici storici di MARQUES’ALMEIDA ritornano in una nuova combinazione di materiali e lavorazioni. Il denim délavé, dall’aspetto vissuto, i bordi grezzi, le asimmetrie e le forme destrutturate si confrontano con la lucentezza del raso, la delicatezza del pizzo, le trasparenze e la ricchezza dei broccati.

È un dialogo tra superfici che appartengono a immaginari differenti: da una parte la materia quotidiana, segnata dall’uso e lontana da qualsiasi perfezione artificiale; dall’altra tessuti e dettagli che evocano occasioni speciali, ricercatezza e decorazione.

Anche il concetto di abito da occasione viene riletto in modo personale. La collezione suggerisce un’eleganza che non dipende dal contesto né dalla necessità di apparire impeccabili. Gli abiti possono essere spettacolari senza diventare convenzionali, mentre le lavorazioni preziose si confrontano con la spontaneità di capi che sembrano stratificati e vissuti.

La palette cromatica accompagna questa ricerca attraverso il nero profondo, le tonalità del beige e del lavanda, il bordeaux, l’azzurro cielo e l’indaco intenso. Stampe e texture si sovrappongono senza inseguire un’armonia rigorosa: l’effetto è quello di un insieme costruito attraverso accostamenti personali, piuttosto che secondo un’immagine coordinata in ogni dettaglio.

L’identità oltre l’idea di perfezione

La riflessione estetica della SS27 si estende al casting e allo styling, coerentemente con una visione dell’identità che rifiuta definizioni rigide. La persona MARQUES’ALMEIDA non corrisponde a una sola idea di donna o di uomo: comprende tutte le possibilità che si collocano oltre le categorie prestabilite.

In questa prospettiva, l’individualità assume un valore centrale e si sottrae ai modelli di perfezione imposti dall’esterno. Non esiste un’unica forma corretta di bellezza, così come non esiste un solo modo di abitare un abito o interpretare la propria identità.

La scelta di lasciare convivere elementi discordanti diventa quindi parte di una riflessione più ampia. Le asimmetrie, i bordi irregolari e le silhouette alterate non sono semplici esercizi stilistici, ma esprimono la volontà di non trasformare la raffinatezza in una formula prevedibile.

MARQUES’ALMEIDA: una ricerca indipendente in continua evoluzione

Fondato nel 2011 da Marta Marques e Paulo Almeida, MARQUES’ALMEIDA nasce dall’incontro tra due designer che sviluppano la propria sensibilità durante il master alla Central Saint Martins di Londra. Il progetto prende forma attraverso le prime collezioni presentate con Fashion East, la piattaforma londinese fondata da Lulu Kennedy, e prosegue con il debutto alla London Fashion Week grazie al programma NEWGEN del British Fashion Council.

Nel 2015 il brand ottiene un importante riconoscimento internazionale con la vittoria dell’LVMH Prize for Young Fashion Designers e del British Fashion Award come Best Emerging Designer. Negli anni successivi consolida la propria presenza nel panorama della moda, mantenendo un’identità riconoscibile e un rapporto con una community che ne condivide la visione.

L’impegno del marchio si estende anche alla sostenibilità e alla responsabilità sociale. Nel 2020 vengono presentati il manifesto M’A Sustainability and Social Responsibility e la linea reM’Ade by MARQUES’ALMEIDA, affiancati da iniziative come See-Through e M’AKERS, dedicate al coinvolgimento e alla valorizzazione delle comunità.

La Primavera/Estate 2027 si inserisce in questo percorso senza rinunciare alla sperimentazione. Le difficoltà che accompagnano il lavoro di un marchio indipendente non diventano un limite alla ricerca, ma si affiancano alla necessità di continuare a evolvere, imparare e ridefinire il proprio linguaggio.

L’eleganza di MARQUES’ALMEIDA rimane così fedele alla propria natura: emotiva, imperfetta e leggermente caotica. Una visione che non cerca di eliminare le contraddizioni, ma le trasforma nel punto di partenza per una moda capace di esprimere individualità e libertà.

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