«Vorrei un’altra vita per imparare il colore». In queste parole, pronunciate da Luigi Serra, si racchiude una delle tensioni più profonde della sua ricerca artistica: il desiderio di continuare a imparare, sperimentare e perfezionarsi, senza arrivare mai a considerare concluso il proprio percorso. Un’insoddisfazione che non si esaurisce nella dimensione tecnica della pittura, ma restituisce il ritratto di un artista inquieto, esigente con sé stesso e costantemente impegnato a confrontarsi con i limiti della propria espressione.

A 180 anni dalla sua nascita, il Museo Ottocento Bologna dedica al pittore felsineo la mostra Luigi Serra (1846-1888). «Vorrei un’altra vita per imparare il colore». A 180 anni dalla nascita, in programma dal 6 novembre 2026 all’8 marzo 2027. Curata da Francesca Sinigaglia, l’esposizione riunisce oltre 100 opere, tra dipinti a olio, acquerelli, disegni e documenti, proponendo la più ampia ricognizione mai realizzata sulla vita e sull’attività di uno dei protagonisti della pittura bolognese dell’Ottocento.

Il progetto espositivo si sviluppa attraverso dieci sezioni tematiche e ricostruisce le diverse tappe della carriera di Serra, dalla formazione ai riconoscimenti nazionali, dai soggiorni nelle principali città d’arte italiane agli ultimi anni di attività. Un percorso che intende restituire non soltanto la statura del pittore, ma anche la complessità dell’uomo, le sue fragilità e quella tensione verso la perfezione che accompagnò la sua breve esistenza.

L’autoritratto ferito: il segno di un’inquietudine creativa

Il fulcro simbolico della mostra è un’opera tanto significativa quanto insolita: l’Autoritratto presso lo Studio Quattro Fontane 88 (Roma), realizzato nel marzo 1884 e conservato al Museo Ottocento Bologna. Il dipinto, un olio su carta di appena 22 per 13 centimetri, porta sulla superficie le tracce di una vicenda personale che sembra tradurre materialmente il tormento dell’artista.

Serra, insoddisfatto del risultato, arrivò infatti a strappare l’opera in un momento di profondo sconforto. Fu l’amico scultore Enrico Barbèri a recuperarla pazientemente, preservandone la testimonianza. Le lesioni rimaste sulla carta trasformano così l’autoritratto in qualcosa di più di una semplice immagine: sono il segno tangibile di un conflitto tra l’ambizione artistica e l’impossibilità di raggiungere un ideale di perfezione.

Per la prima volta, questo lavoro sarà valorizzato all’interno di un percorso che lo assume come filo conduttore dell’intera esposizione. Attraverso il dipinto, il visitatore è invitato a guardare oltre la produzione di un maestro affermato, avvicinandosi alla dimensione più intima della sua ricerca.

Accanto all’autoritratto, la mostra presenta opere che testimoniano la varietà della produzione di Serra e la sua capacità di confrontarsi con soggetti e registri differenti. Tra queste figura Annibale Bentivoglio prigioniero nel castello di Varano, concerta la fuga con certo Zanese parolaio, del 1870, proveniente dal Collegio Artistico Venturoli, insieme a Le confidenze del 1882 e a una Scena storica, bozzetto preparatorio per una grande opera commissionata dal Circolo Artistico di Bologna e proveniente da una collezione privata.

Da Bologna a Firenze e Roma: la formazione di un maestro

Nato a Bologna nel 1846, Luigi Serra si formò presso il Collegio Artistico Venturoli, dove acquisì le basi del disegno e della rappresentazione figurativa, proseguendo poi gli studi all’Accademia di Belle Arti. La sua carriera si sviluppò in un periodo di profonde trasformazioni culturali, nel quale gli artisti erano chiamati a confrontarsi con nuovi linguaggi e con le istituzioni di un’Italia da poco unificata.

La vittoria del Pensionato Angiolini gli consentì di soggiornare a Firenze e Roma, città fondamentali per la sua crescita professionale. Qui Serra entrò in contatto con ambienti artistici e culturali di primo piano, costruendo progressivamente una reputazione che avrebbe superato i confini della sua città natale.

Il riconoscimento arrivò anche attraverso le acquisizioni istituzionali: alcune sue opere entrarono nelle raccolte dei Musei Vaticani e della Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma quando il pittore era ancora in vita. Un risultato significativo, che conferma il ruolo raggiunto da Serra nel panorama artistico nazionale nonostante la morte prematura, avvenuta nel 1888, a soli 42 anni.

La retrospettiva segue questa traiettoria in ordine cronologico, soffermandosi sulle prime esperienze formative, sui riconoscimenti ottenuti con la Società Protettrice di Belle Arti e sugli anni trascorsi a Roma. In questa fase si inseriscono anche i rapporti con la Maison Goupil, realtà di riferimento per la circolazione e il mercato internazionale delle opere d’arte.

Il teatro, Venezia e gli ultimi anni

Il percorso espositivo amplia lo sguardo oltre la pittura da cavalletto, documentando le diverse occasioni professionali affrontate da Serra. Una sezione è dedicata al sipario e alle decorazioni realizzati per il Teatro Gentile di Fabriano, testimonianza del suo confronto con la dimensione monumentale e decorativa dell’arte.

Seguono gli anni veneziani legati alla Pensione Triennale e il ritorno a Roma, dove l’artista lavorò anche per la chiesa di Santa Maria della Vittoria. Il percorso approfondisce inoltre il rapporto professionale e personale con la pittrice Attilia Marini, dal cui lascito proviene un nucleo di opere finora sconosciute, destinato ad arricchire la ricostruzione della sua attività.

Tra gli ultimi capitoli trovano spazio il ciclo decorativo dell’Irnerio di Palazzo d’Accursio e la storia della fortuna postuma di Serra. Dopo la sua scomparsa, la conservazione e lo studio del patrimonio artistico furono affidati alla cura di collezionisti e istituzioni. Nel 1922 la Pinacoteca Nazionale di Bologna acquisì un importante fondo di disegni, dipinti e documenti, contribuendo a preservare una parte essenziale della sua produzione.

Oltre 100 opere e un corpus di disegni mai esposto integralmente

Uno degli elementi più rilevanti della mostra è la possibilità di osservare materiali provenienti da importanti istituzioni e collezioni private. Tra i prestatori figurano i Musei Vaticani, la Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Roma, la Galleria d’Arte Moderna di Firenze, la Pinacoteca Nazionale di Bologna, il Collegio Artistico Venturoli, la Fondazione Cassa di Risparmio di Bologna, il MAMbo – Museo d’Arte Moderna di Bologna e l’Accademia di Belle Arti di Bologna.

A questi si aggiungono opere provenienti da collezioni private, comprese quelle degli eredi testamentari di Bologna e Napoli. La collaborazione tra istituzioni e collezionisti consente di riunire testimonianze altrimenti disperse, offrendo una lettura più ampia della produzione dell’artista.

Particolarmente importante è la presentazione dell’intero corpus dei 200 disegni appartenenti al patrimonio del Museo Ottocento Bologna, insieme a dipinti finora mai esposti. I fogli permettono di avvicinarsi al processo creativo di Serra, osservando il lavoro preparatorio, la ricerca compositiva e la precisione grafica che precedevano la realizzazione delle opere.

La mostra non si limita, dunque, a ripercorrere una carriera: ricostruisce il metodo di lavoro di un artista che tornava continuamente sui propri soggetti, studiandoli e rielaborandoli nel tentativo di raggiungere una forma espressiva sempre più compiuta.

Il Museo Ottocento Bologna e la valorizzazione della pittura felsinea

Inaugurato il 20 aprile 2023 e gestito dalla Fondazione Ottocento, il Museo Ottocento Bologna è dedicato alla tutela, allo studio e alla valorizzazione della pittura bolognese del XIX e del primo Novecento. La collezione permanente comprende circa 100 opere databili tra il 1840 e il 1930, inserite in un percorso che affianca alla ricerca storico-artistica una proposta espositiva accessibile.

Nel corso della sua attività, il museo ha promosso mostre monografiche dedicate a figure della pittura italiana, tra cui Carlotta Gargalli, Mario de Maria, conosciuto come Marius Pictor, la dinastia dei Savini e Lea Colliva. Le esposizioni, accompagnate da cataloghi scientifici, si inseriscono in un più ampio lavoro di ricerca e valorizzazione del patrimonio artistico.

Il museo conserva inoltre importanti archivi storici, tra cui l’Archivio Fabio Fabbi e l’Archivio Emilio Oliviero Contini, e collabora con l’Università di Bologna e l’Accademia di Belle Arti attraverso progetti formativi e tirocini.

La retrospettiva dedicata a Luigi Serra si colloca in questa prospettiva, restituendo centralità a un artista che, pur avendo conosciuto importanti riconoscimenti in vita, morì prima di compiere 43 anni. Un’occasione per rileggere la pittura bolognese dell’Ottocento attraverso una figura che seppe affermarsi nel panorama nazionale, lasciando un patrimonio di opere e documenti ancora capace di aprire nuove prospettive di studio.

A completare il progetto, da gennaio a marzo 2027, è previsto un ciclo di incontri gratuiti presso la sede di Confcommercio Ascom Bologna. Storici dell’arte e specialisti approfondiranno la vita e l’opera del pittore, offrendo al pubblico ulteriori strumenti per comprendere il contesto culturale e la complessità della sua ricerca.

Informazioni sulla mostra

Luigi Serra (1846-1888). “Vorrei un’altra vita per imparare il colore”. A 180 anni dalla nascita

A cura di: Francesca Sinigaglia

Patrocini: Comune di Bologna, Regione Emilia-Romagna, Città di Fabriano, Fondazione Bologna Welcome, Confcommercio Ascom Bologna, Accademia di Belle Arti di Bologna, Università di Bologna – Dipartimento delle Arti (DAR), Comitato per la Bologna Storica e Artistica, Associazione per le Arti Francesco Francia, Camera di Commercio, Industria, Artigianato e Agricoltura di Bologna

Apertura al pubblico: 6 novembre 2026, dalle ore 14

Date: 6 novembre 2026 – 8 marzo 2027

Sede espositiva: Museo Ottocento Bologna, piazza San Michele 4/C Bologna

Orari di apertura: tutti i giorni, ore 10 – 19

Ingressi: 12 € intero / 10 € ridotto (Card Cultura, Bologna Welcome Card, studenti, disabili e accompagnatori, gruppi dalle 7 persone in su, bambini dai 6 anni, insegnanti, giornalisti) / gratuito (bambini sotto i 6 anni e guide turistiche con patentino) / Studenti Università di Bologna sconto 50%

Informazioni e prenotazioni: tel. 051 4989511 | info@mobologna.it 

Web: mobologna.it | Facebook | Instagram

L'articolo Luigi Serra (1846-1888). “Vorrei un’altra vita per imparare il colore”: il Museo Ottocento Bologna la grande mostra sul pittore dell’Ottocento proviene da Different Magazine.

Curata da Morad Montazami, Madeleine de Colnet e Caroline Courrioux, l’esposizione rappresenta un nuovo e cruciale capitolo del celebre “ciclo degli elementi” ideato dalla Villa, arrivando cronologicamente dopo i successi di Storie di pietre (la terra) e Il Canto delle sirene (l’acqua). Questa volta, al centro dell’indagine c’è l’elemento che più di tutti ha infiammato, arricchito e sconvolto il nostro pianeta: il petrolio. L’evento esplora la complessa rete estetica, politica e culturale generata dall’idrocarburo, riunendo le risposte visive di artisti internazionali.

Le  sette sale tematiche

Il percorso espositivo si articola attraverso sette sale tematiche ben distinte, che accompagnano il visitatore dall’estrazione fisica della materia alla sua combustione finale, toccando nodi caldi come le geopolitiche postcoloniali, i disastri ambientali e le riflessioni esistenziali:

1. Petrocene [Estrazione]: L’impatto dell’estrattivismo e la brutale trasformazione del paesaggio naturale.
2. Fossil fuel [Combustione fossile]: La chimica, l’energia e la dipendenza da una civiltà letteralmente in fiamme.
3. Oleodotto [Circolazione]: Le mastodontiche infrastrutture fisiche che connettono i mercati globali.
4. Proteste [Rivoluzione]: Le resistenze sociali, le rivolte e i conflitti geopolitici legati all’oro nero.
5. Petro-museo [Speculazione]: L’ambiguo legame economico tra le istituzioni culturali e le multinazionali dell’energia.
6. Marea nera [Offshore]: I drammatici disastri ecologici causati dalle trivellazioni marine e dagli sversamenti.
7. Petro-melanconia [Burn out]: La sezione finale, dedicata al senso di fine dell’era fossile e a possibili visioni post-petrolifere.

Gli artisti più suggestivi: il dialogo tra epoche

La mostra mette in scena un dialogo straordinario tra giganti sacri della storia dell’arte del Novecento e le voci più graffianti della scena contemporanea. Nelle sale convivono i storici capolavori materici e i neri densi dei catrami di Alberto Burri, le provocazioni pop di Robert Rauschenberg ed Ed Ruscha, e le pietre miliari della Land Art firmate da Robert Smithson e Nancy Holt.

Questi maestri dialogano con le installazioni video di forte impatto politico di Zina Saro-Wiwa, focalizzate sulle ferite del delta del Niger, e con le ipnotiche e disturbanti sculture iridescenti di Monira Al Qadiri, che riproducono le forme delle trivelle petrolifere trasformandole in totem quasi alieni.

Il cuore politico della mostra: il prato tagliente di Lungiswa Gqunta

Tra le quaranta presenze in catalogo, l’opera che mi ha più colpito in assoluto è senza dubbio l’installazione Lawn (2016) dell’artista sudafricana Lungiswa Gqunta. L’opera ricrea un prato fitto e geometrico composto da migliaia di bottiglie di vetro capovolte, spaccate e riempite con un liquido scuro che richiama il petrolio e i combustibili fossili.

Lawn si oppone in modo violento e geniale all’immaginario del tradizionale giardino bourgeois. Quello che da lontano potrebbe sembrare un perfetto manto erboso curato, da vicino si rivela un paesaggio tagliente, inaccessibile e profondamente pericoloso.

La forza del pezzo risiede interamente nella sua dimensione politica e post-coloniale: nella storia del Sudafrica il possesso di un giardino verde e recintato ha rappresentato per decenni il simbolo supremo del privilegio bianco, della segregazione e del regime dell’apartheid. Gqunta sabota questo spazio di esclusione elitaria utilizzando materiali associati alle architetture della miseria e alle rivolte delle township. Le bottiglie spezzate, armi improvvisate da guerrilla urbana, diventano una denuncia esplicita delle disuguaglianze sistemiche, delle barriere sociali ancora esistenti e delle ferite mai rimarginate legate alla privatizzazione della terra e allo sfruttamento capitalistico delle risorse. Un’opera brutale, magnifica e impossibile da dimenticare.

Informazioni Pratiche per la Visita

La mostra è aperta tutti i giorni (tranne il martedì) dalle 9:30 alle 19:00. I biglietti sono disponibili online sul circuito ufficiale Ticketlandia. Per l’occasione, l’offerta culturale è arricchita anche dal “Cinéclub Soleil noir”, una speciale rassegna di proiezioni cinematografiche dedicate che si terrà parallelamente all’esposizione.

https://villamedici.it/it/programme/sole-nero/

L'articolo L’oro nero che ha ridisegnato l’immaginario: a Villa Medici inaugura “Sole nero. Petrolio e arte contemporanea” proviene da Different Magazine.

L’iniziativa, a ingresso gratuito, offre al pubblico l’opportunità di approfondire l’attualità del messaggio di Francesco attraverso opere d’arte, documenti storici e testimonianze che restituiscono la portata culturale, sociale e spirituale della sua eredità.

La parola al curatore Alessandro Zuccari. “Come emerge dalle opere in mostra, Francesco dal XII secolo non ha smesso di esercitare un grande fascino e ancor oggi ci interroga e ci invita a riflettere con la sua forza di contemporaneità.”

Dai francescani ai Monti di Pietà: le radici dell’economia solidale

Il percorso espositivo esplora il legame profondo tra fede, giustizia sociale ed economia, mostrando come l’intuizione di San Francesco abbia generato una vera e propria scuola economica basata sulla ricerca del bene comune.

Di straordinario rilievo è la sezione documentaria, pensata per valorizzare le radici storiche di questo rapporto e la lotta all’usura. Nel Quattrocento, i frati francescani dell’Osservanza promossero istituzioni di credito con l’obiettivo di offrire prestiti a condizioni accessibili a chi si trovava in difficoltà economiche. Il primo Monte di Pietà nacque a Perugia nel 1462, segnando una tappa significativa nello sviluppo di forme di credito popolare ispirate a principi di solidarietà. Attraverso antichi documenti d’archivio e manufatti d’epoca, la mostra evidenzia il ruolo dei Francescani nello sviluppo di un’economia solidale incentrata sulla fiducia sociale.

Arte e storia: 28 opere sulle tracce di San Francesco

Accanto al percorso dedicato al rapporto tra francescanesimo ed economia solidale, la mostra Sulle tracce di Francesco. Arte, restauro e contemporaneità propone un approfondimento sulla rappresentazione del Santo attraverso i secoli, mettendo in dialogo opere d’arte e documenti storici conservati nell’Archivio Storico della Fondazione Roma.

Il percorso riunisce 28 opere che attraversano un arco temporale compreso tra il tardo Medioevo e l’età contemporanea. Tra gli artisti presenti figurano Caravaggio, Tiziano, El Greco, Gerolamo Muziano e Biagio Miniera. Frutto di una rigorosa ricerca scientifica, la mostra è stata realizzata grazie a prestiti provenienti da prestigiose istituzioni culturali, tra cui:

• Biblioteca dell’Accademia Nazionale dei Lincei e Corsiniana
• Pinacoteca Vaticana
• Galleria dell’Accademia di Firenze e Musei del Bargello
• Pinacoteca di Ascoli Piceno
• Museo Civico di Palazzo Chiericati di Vicenza
• Museo Civico Ala Ponzone di Cremona

Il progetto educativo: gli studenti del Liceo Artistico di via Ripetta reinterpretano San Francesco

La mostra si distingue per la sua funzione educativa: gli studenti del Liceo Artistico di Via Ripetta realizzeranno un’opera ispirata a Francesco. Un dialogo generazionale che richiama le parole del Cardinal Zucchi sulla fratellanza universale, una visione evocata anche dalla figura del lupo, divenuto nella tradizione francescana simbolo di riconciliazione e convivenza.

Un’eredità che guarda al futuro: la proposta per il 4 ottobre festa nazionale

Il duplice percorso é creato per amplificare un’azione attuale. L’ambizione del progetto è lasciare testimonianze stabili nel tempo, supportando la proposta di riportare il 4 ottobre come festa nazionale dedicata a San Francesco d’Assisi. A completamento dell’esperienza, l’esposizione esce dalle sale museali per farsi territorio.

Oltre il museo: la mappa urbana dei 13 luoghi francescani a Roma

Il progetto espositivo si estende oltre le sale di Palazzo Sciarra Colonna e invita i visitatori a esplorare la città attraverso un itinerario dedicato alle testimonianze artistiche e storiche legate a San Francesco d’Assisi. La mappa proposta accompagna alla scoperta di tredici luoghi romani nei quali la figura del Santo è ricordata attraverso opere d’arte, decorazioni medievali e memorie della tradizione francescana.

1. Basilica di San Giovanni in Laterano e palazzo Lateranense: I mosaici dell’abside, commissionati dal primo papa francescano Niccolò IV (1288-1292) con il sostegno del cardinale Giacomo Colonna, inseriscono la figura di Francesco come testimone accanto agli Apostoli Pietro e Paolo.
2. Sancta Sanctorum (Santuario della Scala Santa): La cappella privata dei papi conserva affreschi duecenteschi risalenti ai pontificati di Niccolò III e Niccolò IV, che testimoniano la precoce introduzione dell’immagine del Santo all’interno della liturgia papale romana.
3. Complesso dei Santi Quattro Coronati: Nel suggestivo oratorio e nei cicli medievali dell’aula gotica sono custodite preziose e rare testimonianze visive legate al francescanesimo primitivo nel tessuto urbano romano.
4. Santa Maria Maggiore: Nel mosaico absidale commissionato da Papa Niccolò IV (1288-1292) con il sostegno del cardinale Giacomo Colonna e raffigurante l’Incoronazione della Vergine, San Francesco è inserito a grandezza monumentale insieme agli apostoli e ai donatori.
5. Santa Maria in Aracoeli: Passata ai Frati Minori nel 1250, conserva memorie d’arte straordinarie sul Campidoglio. Tra queste, gli affreschi duecenteschi scoperti nella zona absidale e nella cappella di Pasquale Baylon con storie della vita del Santo, oltre a icone medievali legate all’ordine.
6. Palazzo Colonna ai Santi Apostoli: Sede storica della famiglia Colonna, che sostenne l’Ordine fin dai suoi esordi a Roma. Custodisce importanti testimonianze pittoriche e documentarie sulla secolare devozione francescana della famiglia.
7. Torre della Moletta al Circo Massimo: La torre medievale faceva parte dei possedimenti della nobile famiglia Frangipane. Qui risiedeva Jacopa de’ Settesoli (“Frate Jacopa”), la devota amica romana che ospitò San Francesco durante i suoi soggiorni in città.
8. San Francesco a Ripa: Sorge sul sito dell’antico ospizio di San Biagio in Trastevere, dove Francesco soggiornò durante i suoi viaggi a Roma (1209-1223). Conserva intatta la cella del Santo con la pietra usata come cuscino, e il celebre ritratto su tavola del XIII secolo attribuito a Margaritone d’Arezzo.
9. Santa Maria in Cappella: Piccola e antica chiesa trasteverina che conserva tracce d’epoca medievale (consacrata nel 1090) legata indissolubilmente all’itinerario e all’assistenza ai malati svolta nel quartiere dalle prime comunità francescane.
10. Santa Passera: La chiesetta deliziosa sulla via Portuense conserva testimonianze affrescate del XIII secolo (tra cui un’immagine del Santo inginocchiato in preghiera davanti alla Vergine col Bambino), a comprova della diffusione del culto nelle zone suburbane e fluviali di Roma.
11. Musei Vaticani: Custodiscono due favolose tavole medievali che raffigurano San Francesco: la celebre pala d’altare duecentesca con il Santo che riceve le stimmate e la scena del matrimonio mistico con Madonna Povertà, concesse straordinariamente in prestito per la rassegna a Palazzo Sciarra.
12. Galleria Nazionale d’Arte Antica di Palazzo Barberini: Conserva capolavori pittorici successivi, di epoca rinascimentale e barocca, dedicati all’iconografia del Santo (tra cui tele di Caravaggio e Bartolomeo Manfredi), fondamentali per studiare l’evoluzione del volto di Francesco nei secoli.
13. Palazzo Sciarra Colonna: Punto di partenza dell’itinerario e sede principale della mostra iconografica, dove i visitatori possono ammirare i 28 capolavori riuniti, prima di mettersi in cammino per le viandanti di Roma alla scoperta delle tracce storiche del Santo.

Non resta che mettersi in cammino sulle orme di San Francesco a Roma!

INFORMAZIONI

“Sulle tracce di Francesco – Arte, restauro e contemporaneità”,
“Dalla predicazione francescana ai Monti di Pietà”
7 ottobre 2026 – 10 gennaio 2027
Palazzo Sciarra Colonna – Museo del Corso – Polo museale, Roma
Via Minghetti 22, Roma

L'articolo San Francesco, 800 anni dalla morte: due mostre a Roma tra arte e storia proviene da Different Magazine.

Ci sono artisti capaci di cambiare il modo in cui guardiamo le immagini. Man Ray appartiene a questa categoria. La sua ricerca ha attraversato fotografia, pittura, cinema e design trasformando la macchina fotografica da semplice strumento di registrazione a dispositivo per mettere in discussione la realtà.

È proprio a questa figura centrale dell’arte del Novecento che Palazzo Roverella dedica “Man Ray. Il maestro del Surrealismo”, in programma a Rovigo dal 13 novembre 2026 al 31 gennaio 2027. La mostra inaugura il nuovo biennio espositivo 2027-2028 presentato dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo e prosegue la vocazione del museo per le grandi rassegne dedicate ai protagonisti della fotografia internazionale.

Man Ray, oltre la fotografia

Nato Emmanuel Radnitsky, l’artista sceglie il nome Man Ray come sintesi tra l’elemento umano e il raggio di luce. Un’identità destinata a diventare inseparabile da una pratica artistica fondata sulla sperimentazione e sulla capacità di spostare continuamente i confini dell’immagine.

La sua vicenda creativa si sviluppa tra le avanguardie d’oltreoceano e l’ambiente surrealista parigino, dove entra in contatto con figure come Marcel Duchamp. Ma è soprattutto attraverso la fotografia che Man Ray porta avanti una ricerca radicale, capace di trasformare procedimenti tecnici in vere e proprie invenzioni poetiche.

Tra le sue sperimentazioni più celebri ci sono le rayografie, immagini ottenute senza l’utilizzo dell’obiettivo, e le solarizzazioni, sviluppate anche attraverso la collaborazione con Lee Miller. Procedimenti che permettono all’immagine di perdere la sua funzione puramente documentaria per diventare materia, segno, luce e possibilità.

Una mostra costruita sulla ricerca

Curata da Pierre-Yves Butzbach e Robert Rocca, la mostra nasce dalla collaborazione tra la Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo, il Comune di Rovigo e l’Accademia dei Concordi, con il sostegno di Intesa Sanpaolo e la produzione di Silvana Editoriale.

Uno degli elementi distintivi del progetto è la rete di collaborazioni internazionali che ne sostiene la costruzione scientifica. Il percorso espositivo si avvale infatti della sinergia con istituzioni come il Man Ray Trust di New York e la Photothèque Man Ray di Parigi, oltre alla presenza di opere provenienti da importanti raccolte internazionali.

Particolare rilievo assume il nucleo di stampe vintage, realizzate negli anni degli scatti o sotto il diretto controllo dell’artista. Tra queste, una selezione di stampe originali provenienti dal Musée Nicéphore Niépce di Chalon-sur-Saône, che permette di entrare anche nella dimensione più concreta e artigianale della sua ricerca fotografica.

Trecento opere per attraversare l’universo di Man Ray

Il percorso riunisce circa trecento opere tra fotografie originali, disegni, litografie, oggetti iconici e documenti storici. Un corpus pensato per restituire la complessità di un artista impossibile da racchiudere nella sola definizione di fotografo.

L’esposizione attraversa alcuni dei nuclei fondamentali della sua produzione: dall’identità e dall’ambiguità degli autoritratti ai ritratti degli intellettuali e degli artisti che hanno animato la scena culturale del suo tempo.

Un posto centrale è occupato anche dal corpo femminile, osservato attraverso linguaggi differenti: dalla ricerca formale dei nudi alle immagini realizzate per il mondo della moda. Anche qui Man Ray non si limita a rappresentare il soggetto, ma ne altera la percezione, giocando con prospettive, luce, composizione e ambiguità.

Dada, oggetti e cinema d’avanguardia

La mostra amplia ulteriormente lo sguardo sulle sperimentazioni dell’artista attraverso le sue ricerche tridimensionali e i ready-made di matrice dadaista, restituendo una dimensione meno conosciuta ma fondamentale della sua produzione.

A completare il percorso sarà inoltre la proiezione integrale dei quattro cortometraggi d’avanguardia ideati da Man Ray. Il cinema diventa così parte integrante del racconto e permette di cogliere la continuità tra le diverse forme attraverso cui l’artista ha interrogato il rapporto tra immagine, movimento e percezione.

Un’eredità ancora contemporanea

La forza di Man Ray risiede anche nella sua capacità di continuare a parlare al presente. Le sue immagini nascono in un’epoca attraversata dalle grandi rivoluzioni artistiche del Novecento, ma molte delle domande che pongono — sull’identità, sulla rappresentazione, sul corpo e sul confine tra realtà e costruzione — appartengono ancora al linguaggio visivo contemporaneo.

È questa eredità, più che una semplice ricostruzione biografica, a costituire il cuore della mostra di Palazzo Roverella: un invito a osservare la fotografia non soltanto come documento, ma come spazio di invenzione.

Il catalogo

Ad accompagnare l’esposizione sarà il catalogo pubblicato da Silvana Editoriale, curato da Pierre-Yves Butzbach e Robert Rocca e arricchito dai contributi critici di Raffaella Perna.

Con “Man Ray. Il maestro del Surrealismo”, Palazzo Roverella rinnova così il proprio percorso dedicato ai grandi protagonisti della fotografia e apre il nuovo ciclo espositivo con un artista che ha fatto della libertà dello sguardo una delle forme più radicali della modernità.

Man Ray. Il maestro del Surrealismo
Palazzo Roverella, Rovigo
13 novembre 2026 – 31 gennaio 2027

Info: www.palazzoroverella.com

L'articolo “Man Ray. Il maestro del Surrealismo”: a Palazzo Roverella la fotografia diventa poesia visiva proviene da Different Magazine.

Per lungo tempo considerata un’arte minore e spesso associata all’artigianato, la xilografia ha attraversato la storia della grafica portando con sé una complessa relazione tra tecnica, materia e corpo. È proprio a partire da questa dimensione che “Xilografe” intende riportare l’attenzione su un insieme di artiste che, in epoche e contesti differenti, hanno utilizzato il legno inciso per costruire linguaggi personali e lasciare una traccia significativa nella storia dell’arte.

La mostra, prodotta dal Museo Civico di Crema e del Cremasco e promossa dal Comune di Crema, attraverso l’Assessorato alla Cultura e l’Assessorato alle Pari Opportunità, sarà visitabile dal 17 ottobre 2026 al 10 gennaio 2027. L’esposizione è curata da Edoardo Fontana, con la collaborazione di Chiara Degetto, Livia Fasolo e Silvia Scaravaggi.

Una tecnica considerata “maschile”

La presenza delle donne nella storia della xilografia è stata a lungo marginale. Non perché mancassero le artiste, ma perché la tecnica stessa era spesso percepita come un’attività legata alla forza fisica e a una manualità considerata tradizionalmente maschile.

L’intaglio del legno attraverso sgorbie e coltelli richiedeva infatti una particolare abilità tecnica e un rapporto diretto con la materia. Un pregiudizio che contribuì a rendere meno accessibile questa forma d’arte alle donne, già penalizzate dall’esclusione, più o meno rigida a seconda dei Paesi, da alcuni insegnamenti delle Accademie.

La situazione cambiò anche grazie alla diffusione dell’incisione su legno di testa. La maggiore durezza del legno utilizzato consentiva una lavorazione differente, affidata al bulino e alla ciappola, attenuando quella dimensione di forza fisica e di artigianalità che aveva contribuito ad associare la xilografia a un universo prevalentemente maschile.

La tecnica poteva così diventare anche uno spazio di emancipazione.

Dalle botteghe alla professione artistica

La presenza di incisore su legno precede in realtà l’Ottocento. Molte donne lavorarono nelle botteghe familiari dirette da padri, mariti o fratelli, rimanendo tuttavia spesso in secondo piano rispetto alle figure maschili.

Tra gli esempi italiani vengono ricordate Elisabetta Catanea e Girolama Cagnucci, mogli dei fratelli Parasole, ma soprattutto Veronica Fontana, allieva di Elisabetta Sirani e figura di particolare talento.

È però con l’emancipazione femminile che la presenza delle artiste nella grafica assume una dimensione nuova. Non si tratta necessariamente della nascita di veri e propri gruppi organizzati di xilografe, ma di una progressiva affermazione individuale all’interno di un movimento più ampio.

In Inghilterra, per esempio, la Wood Engraver Society annoverava numerose donne già dalla sua nascita. La xilografia diventava così uno dei territori attraverso cui le artiste potevano costruire una professionalità e confrontarsi con il sistema dell’arte.

Tra Europa e modernità

Il fenomeno si sviluppa in maniera particolarmente significativa nei Paesi anglosassoni, anche grazie a un contesto sociale e politico più aperto, per poi estendersi ad altri Paesi europei.

L’Italia della rinascita della grafica dei primi del Novecento e l’Austria della Secessione diventano così importanti centri di elaborazione, contribuendo alla progressiva affermazione di artiste di livello internazionale.

Tra le figure più note emerge Käthe Kollwitz, artista tedesca la cui opera è caratterizzata da una forte dimensione sociale e da una particolare attenzione alla condizione umana. Il suo lavoro diventa anche una riflessione sul ruolo della donna e sulla possibilità di affermarsi attraverso la creazione artistica al di là del ruolo tradizionalmente associato alla maternità.

Accanto a lei, Gabriele Münter sviluppa una ricerca profondamente personale, legata alla sensibilità espressionista, contribuendo alla stagione che avrebbe aperto la strada all’astrattismo e all’arte contemporanea.

La Secessione viennese e la grafica

La mostra attraversa quindi l’ambiente della Secessione viennese, dove artiste come Elena Luksch-Makowsky, Broncia Koller-Pinell e Marianne Hitschmann-Steinberger si distinguono all’interno della scena artistica e della Wiener Werkstätte.

La loro attività si intreccia anche con la cultura editoriale dell’epoca, attraverso la partecipazione alla rivista Ver Sacrum e a importanti cataloghi espositivi.

È proprio questa relazione tra incisione, illustrazione, arti applicate ed editoria a mostrare quanto la xilografia fosse tutt’altro che un linguaggio secondario. Il legno inciso poteva infatti diventare immagine, decorazione, illustrazione e strumento di diffusione della cultura visiva contemporanea.

Dall’illustrazione del libro alle avanguardie

In Inghilterra, Gwendolen Raverat e Clare Leighton rinnovano il rapporto tra xilografia e illustrazione libraria, diventando punti di riferimento per numerose artiste attive nel mondo anglosassone.

In Italia, invece, Emma Dessau Goitein, Irma Pavone Grotta e Mimì Buzzacchi Quilici partecipano alla rinascita della grafica insieme alle numerose allieve di Adolfo De Carolis, tra cui la figlia Donella, Anna Maria Masi e Hortensia Morici Rossi.

Un percorso internazionale che comprende anche la danese Ebba Holm, impegnata in Italia nella redazione della rivista Xilografia di Francesco Nonni e autrice delle illustrazioni di un’importante edizione della Divina Commedia tradotta in danese.

La dimensione cosmopolita della xilografia emerge anche attraverso Ellen Thesleff, artista finlandese che collaborò con Edward Gordon Craig negli anni della rivista The Mask.

Accanto alle protagoniste più conosciute, “Xilografe” recupera figure meno note ma caratterizzate da una forte personalità artistica, come la russo-olandese Amelie Meeter De Zorn, la svizzera Marguerite Burnat-Provins e la scozzese Annabel Kidston, dalle cui xilografie è stata selezionata l’immagine guida della mostra.

Il dinamismo delle avanguardie

La xilografia dialoga anche con le avanguardie. È il caso delle sperimentazioni vorticiste sviluppate attraverso il linoleum a più matrici dal gruppo di incisori riunito attorno a Claude Flight e alla Grosvenor School di Londra.

Tra le artiste che si distinguono in questo contesto ci sono Edith Lawrence, Sybil Andrews ed Eileen Mayo, protagoniste di una ricerca che porta l’incisione verso nuove soluzioni grafiche, caratterizzate da dinamismo, sintesi formale e attenzione al movimento.

La mostra non si limita dunque a una ricostruzione cronologica, ma restituisce la varietà di approcci attraverso cui le artiste hanno utilizzato la xilografia, dimostrando la capacità di questo linguaggio di attraversare correnti, Paesi e discipline differenti.

Il libro come opera d’arte

Un capitolo significativo riguarda il rapporto tra xilografia e libro.

Tra le figure ricordate c’è Margaret Dalziel, che insieme ai fratelli tradusse in incisione le illustrazioni dei Preraffaelliti per i Poems di Tennyson.

Particolarmente interessante è poi la vicenda di Esther Bensusan, conosciuta con il cognome del marito Lucien Pissarro. Insieme a lui diede vita prima a Epping e poi a Chiswick alla Eragny Press, una delle più eleganti private press inglesi.

Il contributo di Esther alla casa editrice, pur già oggetto di studi, è stato spesso considerato in misura minore rispetto a quello di Lucien. La sua attività fu invece fondamentale sia nella definizione dello stile della Eragny sia nella realizzazione di illustrazioni e decorazioni.

Tra le altre figure ricordate compare Annie Housman, illustratrice e traduttrice di incisione del fratello Clemens, oltre che autrice di una delle prime storie dedicate ai licantropi.

Belgio, Giappone e nuovi percorsi

Anche il Belgio partecipa a questo panorama grazie al particolare ambiente culturale sviluppatosi tra Art Nouveau e avanguardie del Novecento. Tra le artiste ricordate ci sono la gantoise Marie De Keyser e Nele Van de Velde, figlia dell’architetto Henry van de Velde.

La mostra guarda inoltre al Giappone, dove la xilografia era parte integrante delle tradizionali case editrici. Un esempio è rappresentato da Kawanabe Kyosui, illustratrice che apprese la tecnica nella bottega del padre Kyosai.

E ancora, l’esposizione incontra la figura di Norah Borges, sorella dello scrittore argentino Jorge Luis Borges, la cui esperienza europea restituisce alcuni rari esempi di ricerca xilografica.

Milano e la rinascita della grafica italiana

Tornando in Italia, un focus particolare è dedicato a Milano nei primi decenni del Novecento.

Qui Anna Beatrice D’Anna, Rosa Menni e Gemma Pero non si limitarono alla realizzazione di xilografie, ma aprirono insieme uno studio nel quale illustravano libri, disegnavano figurini per le sartorie e impartivano lezioni di disegno.

Il loro spazio diventò anche un luogo di incontro per personalità della cultura dell’epoca, tra cui i critici d’arte Roberto Longhi e Vittorio Pica e l’artista Arturo Martini.

Di Gemma Pero sarà inoltre possibile osservare una raccolta di legni, alcuni dei quali incisi su entrambi i lati, che testimoniano anche le sue capacità scultoree e il rapporto fisico e creativo instaurato con la materia.

Dalla professione alla memoria

Il periodo scelto per l’esposizione — dalla seconda metà dell’Ottocento agli anni Trenta del Novecento — coincide con una fase decisiva nella storia dell’arte femminile: quella in cui la donna artista comincia ad affermarsi come professionista e a rivendicare la possibilità di utilizzare linguaggi e tecniche differenti.

Tra le due guerre la grafica attraversa però una progressiva perdita di centralità, fino a un sostanziale declino nel secondo dopoguerra. Solo in tempi più recenti l’incisione è tornata a suscitare un rinnovato interesse.

Eppure alcune artiste continuarono a utilizzare questo linguaggio per raccontare il proprio tempo. È il caso di Regina Lichter-Liron, autrice di una drammatica cartella dedicata alla realtà dei campi di concentramento. Le sue xilografie, costruite attraverso un violento contrasto tra bianco e nero, restituiscono una testimonianza diretta e dolorosa dell’esperienza vissuta.

Una storia ancora da riscoprire

“Xilografe” porta dunque alla luce una storia articolata, internazionale e ancora in parte lacunosa. Una storia che non riguarda soltanto la presenza femminile nell’incisione, ma il modo in cui le artiste hanno saputo trasformare una tecnica considerata a lungo marginale in uno strumento di ricerca, autonomia e affermazione.

Dal mondo delle botteghe alla Secessione viennese, dall’illustrazione libraria alle avanguardie, dalle private press inglesi alla rinascita della grafica italiana, il percorso della mostra restituisce una costellazione di esperienze differenti unite dalla volontà di incidere — letteralmente e simbolicamente — una propria presenza nella storia dell’arte.

“Xilografe” diventa così non soltanto un’esposizione dedicata a una tecnica, ma un’occasione per rileggere la storia della grafica attraverso figure che per troppo tempo sono rimaste ai margini della narrazione.

La mostra e il catalogo

“Xilografe” sarà visitabile al Museo Civico di Crema e del Cremasco dal 17 ottobre 2026 al 10 gennaio 2027.

L’esposizione è a cura di Edoardo Fontana, con la collaborazione di Chiara Degetto, Livia Fasolo e Silvia Scaravaggi.

La mostra è accompagnata da un catalogo edito dal Museo Civico di Crema, con testi critici e schede di Sara Baccanelli, Emanuele Bardazzi, Francesca Cagianelli, Cosimo Calvelli, Antonio Castronuovo, Cristina Chiesura, Chiara Degetto, Livia Fasolo, Edoardo Fontana, Paolo Linetti, Roberto Lunelio, Giorgio Marini, Anna Mazzanti, Chiara Nicolini, Silvia Scaravaggi, Luca Scarlini e Raf Steel.

L'articolo “Xilografe”: artiste, incisione e libertà tra Ottocento e Novecento al Museo Civico di Crema e del Cremasco dal 17 ottobre 2026 al 10 gennaio 2027 proviene da Different Magazine.

L’esposizione rappresenta un importante momento di sintesi del percorso dell’artista romana, da sempre interessata ai temi cosmici e alle dinamiche che regolano la formazione e la trasformazione della realtà. Il titolo della mostra allude a un universo di immagini in espansione, dove le “cosmografie” non si configurano come rappresentazioni descrittive del cosmo, ma come mappe visive di processi in divenire: aggregazioni, rarefazioni, trame, orbite e vibrazioni che evocano il passaggio da una materia originaria e indistinta a una realtà in continua evoluzione.

Negli ultimi anni la ricerca di Marina Bindella ha ampliato il proprio orizzonte confrontandosi con ambiti che sfuggono all’osservazione diretta. Dalla dimensione subatomica studiata dalla meccanica quantistica fino alle distanze siderali indagate dall’astrofisica contemporanea, il suo lavoro sviluppa un dialogo originale tra immaginazione artistica, filosofia e pensiero scientifico. Accanto al richiamo al concetto di àpeiron elaborato da Anassimandro, lo “sconfinato” da cui tutto prende forma, emergono riferimenti alle teorie di Paul Dirac ed Erwin Schrödinger.

Come sottolinea la curatrice Ilaria Schiaffini, “la luce e il tempo sono i due fili conduttori delle opere radunate in questa mostra”. Un’affermazione che sintetizza efficacemente l’intero progetto espositivo, dove ogni immagine appare come il frammento di un processo più ampio di aggregazione e dispersione della materia.

La mostra evidenzia anche la costante sperimentazione tecnica che caratterizza il lavoro di Bindella. Dalla xilografia, linguaggio fondante della sua ricerca, l’artista si è progressivamente spinta verso l’acquerello, la pittura, il graffito e l’utilizzo di materiali e supporti inconsueti, come cartoni ondulati, reti e superfici modulari. Tecniche differenti che dialogano tra loro fino a rendere indistinguibili i confini tra segno, luce e materia.

Il percorso comprende alcune delle serie più significative dell’ultimo periodo, tra cui Ab origine, Entanglement, Il mare di Dirac, Materiaoscura, Lunghezza d’onda, Àpeiron, Scripta mutant e Vortex temporis. Un ruolo centrale è affidato alle grandi installazioni Sui bordi del tempo e Gli occhi del cielo, opere di ampio formato che trasformano lo spazio espositivo in un ambiente immersivo.

Particolarmente interessante è l’introduzione di lettere, grafemi e formule all’interno di alcune serie recenti. In lavori come Àpeiron e Il mare di Dirac, il segno astratto si arricchisce di riferimenti al linguaggio scientifico e filosofico, aprendo nuove riflessioni sul rapporto tra conoscenza, materia e universo.

Ad accompagnare la mostra è il catalogo pubblicato da De Luca Editori d’Arte, con testi di Federica Pirani, Ilaria Schiaffini, Claudio Zambianchi, Beatrice Peria, Carlo Alberto Bucci e Arianna Mercanti.

Con Cosmografie, il Museo Carlo Bilotti presenta un percorso dedicato agli sviluppi più recenti della ricerca di Marina Bindella, ponendo in dialogo linguaggi artistici, riflessioni filosofiche e riferimenti alla cultura scientifica contemporanea. Attraverso opere realizzate negli ultimi anni e lavori rappresentativi di periodi precedenti, la mostra offre l’opportunità di approfondire un’indagine incentrata sui temi della materia, della luce, del tempo e dello spazio. Un progetto espositivo che restituisce la complessità e la coerenza del percorso dell’artista, evidenziandone l’originalità della ricerca e la costante sperimentazione tecnica e formale.

L'articolo Marina Bindella, “Cosmografie”: materia, luce e tempo al Museo Carlo Bilotti proviene da Different Magazine.

È questo uno degli aspetti più significativi di In Minor Keys, la mostra concepita da Koyo Kouoh e realizzata, dopo la sua prematura scomparsa, nel rispetto della visione curatoriale che aveva già definito. Un progetto che non procede secondo una successione rigida di sezioni, ma costruisce una costellazione di opere, artisti e pratiche differenti, unite da risonanze profonde.

Nei Giardini, prima tappa del percorso, questa dimensione emerge progressivamente. Le opere non chiedono soltanto di essere osservate: invitano a rallentare, a cambiare il ritmo dello sguardo, a confrontarsi con ciò che resta sotto la superficie.

Dolore e memoria sono tra le presenze più forti della mostra. Tornano nelle tracce della storia, nelle ferite individuali e collettive, nelle conseguenze della violenza e delle trasformazioni sociali e ambientali. Ma accanto al dolore non c’è soltanto la sua rappresentazione: c’è la possibilità della cura, della rigenerazione, della relazione.

E proprio qui entra in gioco un altro elemento fondamentale di In Minor Keys: il respiro.

Respirare significa concedersi uno spazio, interrompere per un momento la corsa, recuperare una dimensione fisica dell’esistenza. La mostra sembra suggerire continuamente questa possibilità: sottrarsi alla necessità di attraversare tutto rapidamente, lasciare che l’esperienza artistica abbia bisogno di tempo.

È anche per questo che la terra assume un ruolo centrale. Terra come materia, origine, memoria geologica e luogo di appartenenza; ma anche come superficie ferita, coltivata, abitata e trasformata dall’uomo. La relazione con il mondo naturale diventa così una delle chiavi attraverso cui leggere molte delle opere presenti nei due grandi spazi della Biennale.

E poi c’è l’atto di fermarsi.

In una mostra internazionale che potrebbe facilmente essere dominata dalla quantità, dalla ricerca continua della novità e dalla necessità di vedere tutto, In Minor Keys sembra proporre un gesto quasi controcorrente: concedere al visitatore il diritto alla sosta, alla contemplazione, all’ascolto.

Non è un caso che tra i motivi individuati da Koyo Kouoh ci siano proprio le oasi, intese come spazi di riposo fisico e spirituale, luoghi capaci di interrompere il flusso e permettere una diversa relazione con le opere, con gli altri e con sé stessi.

Il percorso dai Giardini all’Arsenale diventa così anche un percorso attraverso stati d’animo, memorie e forme di relazione. Le opere raccontano mondi differenti, attraversano geografie lontane e affrontano questioni profondamente contemporanee, ma tornano continuamente a una domanda essenziale: come possiamo ancora abitare il mondo, il nostro corpo e il nostro tempo?

È una domanda che In Minor Keys non pretende di risolvere. Preferisce lasciarla aperta, affidandola alla sensibilità di chi attraversa la mostra.

E forse è proprio in questa apertura che si trova una delle eredità più importanti del progetto di Koyo Kouoh: ricordare che l’arte può ancora essere uno spazio nel quale non tutto deve essere immediatamente spiegato, consumato o attraversato. Uno spazio nel quale, semplicemente, si può restare.

L'articolo Biennale Arte 2026, il tempo di fermarsi: dolore, memoria, terra e respiro tra Giardini e Arsenale proviene da Different Magazine.

Monet, Van Gogh, Kandinsky, Mondrian. Quattro nomi che, insieme a molti altri protagonisti della scena artistica europea, raccontano una delle rivoluzioni più profonde della storia dell’arte. In meno di ottant’anni, tra la seconda metà dell’Ottocento e i primi decenni del Novecento, la pittura abbandona progressivamente la semplice rappresentazione del reale per aprirsi a nuove forme di espressione, fino alle soglie dell’astrazione.

È questo il percorso proposto dalla mostra ospitata a Palazzo dei Diamanti, che accompagna il pubblico attraverso le grandi trasformazioni della pittura europea, mettendo al centro il paesaggio – naturale e urbano – e la vita moderna come specchio dei profondi cambiamenti culturali e sociali dell’epoca.

Il percorso espositivo, articolato in nove sezioni, prende avvio dalla Scuola di Barbizon, che introduce una nuova sensibilità fondata sull’osservazione diretta della natura. Un approccio destinato a influenzare profondamente anche i macchiaioli italiani, che fanno della luce e del colore gli strumenti privilegiati della loro ricerca.

Con l’impressionismo la pittura cambia definitivamente prospettiva: l’obiettivo non è più riprodurre fedelmente la realtà, ma catturare l’impressione fugace di un istante, la luce mutevole e la percezione immediata dello sguardo. Parallelamente, in Olanda, la Scuola dell’Aia sviluppa una poetica più raccolta e atmosferica, offrendo una personale interpretazione di questa nuova sensibilità.

Negli ultimi decenni dell’Ottocento i postimpressionisti spingono ancora oltre questa ricerca, mettendo in discussione il rapporto stesso tra arte e natura. Colore e forma conquistano una crescente autonomia, lo spazio viene reinterpretato e la pittura si carica di significati simbolici ed emotivi, aprendo la strada alle avanguardie del Novecento.

Anche l’Italia partecipa a questa trasformazione con il divisionismo, che esalta la luce e le sue vibrazioni attraverso una raffinata ricerca cromatica. Nello stesso periodo, la città moderna diventa uno dei soggetti privilegiati degli artisti, chiamati a raccontare le profonde trasformazioni della società industriale.

Con l’inizio del nuovo secolo il futurismo celebra la velocità, il movimento e l’energia della metropoli, mentre altre correnti riscoprono l’equilibrio della tradizione classica. In Europa, intanto, prende forma un percorso destinato a cambiare definitivamente il volto dell’arte: quello dell’astrazione, che conduce progressivamente alla dissoluzione del dato reale e alla costruzione di un linguaggio autonomo, libero dalla rappresentazione del mondo visibile.

La mostra restituisce tutta la ricchezza di questa stagione straordinaria attraverso 120 opere, tra dipinti, disegni e incisioni, provenienti in gran parte dalle collezioni del Museum Boijmans Van Beuningen di Rotterdam e affiancate da importanti prestiti di collezioni pubbliche e private italiane.

Il percorso riunisce capolavori di alcuni dei più grandi protagonisti della pittura europea, tra cui Gustave Courbet, Claude Monet, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Alfred Sisley, Edgar Degas, Paul Gauguin, Vincent van Gogh, Paul Signac, Odilon Redon, Pablo Picasso, Pierre Bonnard, Édouard Vuillard, Vasilij Kandinsky e Piet Mondrian. Accanto a loro trovano spazio anche alcuni dei principali interpreti dell’arte italiana, come Giovanni Fattori, Telemaco Signorini, Giovanni Pellizza da Volpedo, Giovanni Segantini, Gaetano Previati, Giovanni Boldini, Umberto Boccioni, Carlo Carrà e Mario Sironi.

Organizzata dalla Fondazione Ferrara Arte in collaborazione con il Museum Boijmans Van Beuningen di Rotterdam e con le Gallerie d’Arte Moderna e Contemporanea di Ferrara, la mostra è curata da Sandra Kisters e Vasilij Gusella e offre l’occasione per ripercorrere, attraverso i capolavori dei suoi protagonisti, uno dei momenti più rivoluzionari della storia dell’arte moderna.

Da Monet a Van Gogh a Kandinsky

Nuovi sguardi sulla natura e la modernità

Capolavori dal Museum Boijmans Van Beuningen e da altre importanti collezioni 

Ferrara, Palazzo dei Diamanti
19 settembre 2026 – 10 gennaio 2027

Informazioni e prenotazioni

tel. 0532 244949 | diamanti@comune.fe.it

www.palazzodiamanti.it

L'articolo Da Monet a Van Gogh a Kandinsky: a Palazzo dei Diamanti di Ferrara il viaggio che racconta la nascita della pittura moderna proviene da Different Magazine.

Dal 13 giugno al 1° agosto la galleria Ceravento ospita “Le altre dimensioni”, mostra personale di Filippo La Vaccara che invita il pubblico ad attraversare paesaggi sospesi tra realtà e immaginazione, in un percorso dove natura, memoria e percezione si intrecciano in una narrazione poetica e visionaria.

L’esposizione sarà inaugurata sabato 13 giugno, dalle 17 alle 21, alla presenza dell’artista, e sarà visitabile fino al 1° agosto dal martedì al sabato, dalle 15 alle 19.

Accompagnata da un testo critico di Mario Bronzino, la mostra riunisce una selezione di dipinti a olio su carta e due sculture che sviluppano una riflessione sul paesaggio come spazio mentale e simbolico. Nelle opere di La Vaccara, cieli aperti, nuvole e prati si trasformano infatti in presenze attive, capaci di guidare lo sguardo e costruire una dimensione narrativa silenziosa ma intensa.

I luoghi rappresentati sfuggono a una definizione precisa. Reale e immaginario convivono all’interno di scenari sospesi, familiari e al tempo stesso enigmatici, dove il paesaggio non è semplice sfondo ma protagonista di un racconto in continua trasformazione. La natura assume così un ruolo quasi umano, suggerendo atmosfere, tensioni emotive e possibilità di attraversamento.

Accanto alle opere su carta, le due sculture presenti in mostra ampliano ulteriormente questo universo visivo, evocando idee di movimento, transizione e cambiamento. Elementi che contribuiscono a rafforzare il senso di una realtà instabile e aperta, in cui ogni immagine sembra appartenere a una dimensione altra.

Nel testo che accompagna l’esposizione, Mario Bronzino individua nella ricerca dell’artista una forte componente istintiva e personale, legata a memorie, tensioni e suggestioni che trovano forma attraverso il colore e la materia pittorica. Un immaginario che mantiene un legame profondo con la Sicilia, terra d’origine di La Vaccara, evocata attraverso cromie intense, luci abbacinanti e atmosfere sospese tra malinconia e meraviglia.

Con Le altre dimensioni, Filippo La Vaccara costruisce così un percorso che invita a interrogare il rapporto tra percezione e immaginazione, trasformando il paesaggio in uno spazio aperto all’incertezza, al desiderio e alla scoperta di nuove possibilità visive ed emotive.

L'articolo Filippo La Vaccara in mostra a Pescara con “Le altre dimensioni” proviene da Different Magazine.

Il progetto espositivo si sviluppa attraverso alcuni dei luoghi più significativi di Pietrasanta, trasformando il centro storico e il litorale in un unico percorso dedicato alla scultura contemporanea. Da Piazza Duomo al Complesso di Sant’Agostino, passando per Piazza Carducci, Piazza Statuto, Piazza XXIV Maggio e il Pontile di Marina di Pietrasanta, le opere dialogano con architetture, paesaggi e spazi pubblici, costruendo una relazione continua tra arte e territorio.

Fulcro della mostra è Piazza Duomo, dove le monumentali sculture di Vélez si inseriscono nel tessuto urbano creando nuovi punti di osservazione e prospettive inaspettate. Le sue forme geometriche sembrano sfidare la gravità, generando un senso di leggerezza che contrasta con la solidità dei materiali utilizzati. Marmo, bronzo e acciaio diventano strumenti attraverso cui l’artista esplora il concetto di equilibrio, tema centrale della sua produzione e filo conduttore dell’intera esposizione.

Il percorso prosegue negli spazi del Complesso di Sant’Agostino, dove le opere assumono una dimensione più intima e contemplativa, in dialogo con la memoria e la spiritualità del luogo. A Marina di Pietrasanta, invece, le sculture si confrontano con la luce del mare e con l’orizzonte, amplificando la relazione tra forma, spazio e paesaggio naturale.

«Celebrare trent’anni di vita artistica a Pietrasanta significa riaffermare il mio legame con una città che continua a rappresentare un luogo privilegiato di ricerca e sperimentazione», spiega Vélez. «Attraverso il rigore della geometria cerco di costruire un dialogo tra le opere, gli spazi che le accolgono e le persone che li attraversano».

La ricerca dell’artista affonda le proprie radici nella tradizione scultorea per poi spingersi verso un linguaggio astratto e contemporaneo. Dopo una prima fase figurativa, Vélez ha progressivamente sviluppato una poetica fondata sulla sintesi formale e sull’esplorazione delle possibilità espressive della materia. Nelle sue opere, linee essenziali e volumi geometrici convivono con tensioni interne che suggeriscono movimento, trasformazione e dinamismo.

In Le dimensioni dell’equilibrio, questa ricerca raggiunge una piena maturità. Le forme pure vengono attraversate da aperture, pieghe e slittamenti che sembrano rivelare la struttura nascosta della materia, trasformando la geometria in uno strumento poetico. Il risultato è un linguaggio scultoreo che invita il pubblico a riflettere sul rapporto tra stabilità e cambiamento, ordine e libertà, forza e leggerezza.

Nato a Medellín nel 1975, Gustavo Vélez vive e lavora tra la Colombia e Pietrasanta. Nel corso della sua carriera ha esposto in numerosi Paesi tra America, Europa e Asia, consolidando una presenza internazionale nel panorama della scultura contemporanea. Le sue opere monumentali fanno parte di collezioni permanenti in Cina, Giappone, Corea del Sud, Emirati Arabi Uniti e Singapore, mentre in Italia il suo percorso è strettamente legato alla Toscana, dove ha realizzato alcune delle sue esposizioni più significative.

La mostra rappresenta quindi non solo una celebrazione dei trent’anni di carriera dell’artista, ma anche un omaggio al rapporto tra Pietrasanta e la scultura contemporanea, una tradizione che continua a rinnovarsi attraverso il dialogo tra maestranze artigiane, ricerca artistica e spazio pubblico.

Orari:
Dall’11 al 28 giugno e dal 30 agosto al 20 settembre:
Dal martedì al venerdì, 18.00 – 23.00 Sabato e domenica, 10.00 -13.00 / 18.00 -23.00

Dal 29 giugno al 30 agosto: Tutti i giorni, 19.00 – 24.00. Sabato, domenica e festivi 10.00 – 13.00 / 19.00 – 24.00

Pietrasanta: Piazza Duomo, Piazza Carducci, Piazza Statuto, Complesso di Sant’Agostino
Marina di Pietrasanta: Piazza XXIV Maggio, Pontile

Info: Centro Culturale “Luigi Russo”, Via Sant’Agostino 1, Pietrasanta 
Tel. 0584-795500, www.museodeibozzetti.it

L'articolo Gustavo Vélez celebra trent’anni di carriera a Pietrasanta con la mostra diffusa “Le dimensioni dell’equilibrio” proviene da Different Magazine.