Il titolo della collezione, A Gentle Echo, ha racchiuso l’intenzione del brand di restituire l’affetto e il sostegno ricevuti nel corso del proprio percorso. Un sentimento personale diventato il punto di partenza per una riflessione sulla moda quotidiana, attraverso capi leggeri e materici, concepiti per trasmettere una sensazione di naturalezza, serenità e gioia.

Il quadrifoglio: simbolo di fortuna e gratitudine

Al centro della proposta Primavera/Estate 2027 è comparso il quadrifoglio, simbolo universale di fortuna, protezione e buon auspicio. Gongdid Design ha scelto di non ricorrere a una rappresentazione letterale del motivo, sviluppando piuttosto un immaginario discreto, nel quale il simbolo si è inserito con delicatezza all’interno delle creazioni.

Quadrifogli nascosti hanno animato una nuova stampa ispirata ai dipinti floreali vintage, dialogando con il Wavy Floral Logo, elemento distintivo del marchio. Memoria, simbolismo e ricerca formale si sono così intrecciati in una narrazione visiva sottile, pensata per emergere attraverso dettagli e accostamenti.

Plissé, ricami e sperimentazione tessile

La ricerca sui materiali e sulle tecniche di lavorazione ha rappresentato uno degli elementi centrali della collezione. Per la stagione SS27, Gongdid Design ha introdotto stampi di carta realizzati a mano attraverso il proprio processo di plissettatura manuale. Le prime sperimentazioni, inizialmente sviluppate a partire dalla forma del quadrifoglio, si sono evolute in una struttura floreale a quattro petali, successivamente trasformata in un motivo plissé distintivo, caratterizzato da profili appuntiti.

Il ricamo ha contribuito ad arricchire le superfici, aggiungendo profondità e una dimensione tattile alle creazioni. Accanto a queste lavorazioni, le iconiche pieghe ondulate del brand sono state reinterpretate in nuove camicie dalla lunghezza integrale e pantaloni capri, ampliando il repertorio stilistico della maison.

Il risultato ha valorizzato il dialogo tra costruzione artigianale e sperimentazione, facendo della lavorazione tessile non soltanto una scelta tecnica, ma uno strumento espressivo attraverso cui dare forma all’identità del marchio.

Materiali consapevoli e nuove texture

L’esplorazione materica è rimasta centrale anche nella scelta dei tessuti. La collezione ha confermato l’impiego del poliestere riciclato nell’approccio del brand alla ricerca sui materiali, mentre alcuni capi della proposta maschile hanno introdotto tessuti misti con fibra di bambù, selezionati per la loro maggiore morbidezza a contatto con il corpo.

Queste scelte si sono inserite in una visione progettuale attenta alla sensorialità dei materiali e alla vestibilità, in cui la qualità tattile ha accompagnato silhouette essenziali e lavorazioni riconoscibili.

Palazzo Landriani, una cornice in dialogo con la collezione

La presentazione milanese è stata realizzata con la produzione di Moon Studio, realtà con sede a Copenaghen, mentre gli allestimenti floreali sono stati curati da PHKA, studio floreale di Bangkok.

La cornice di Palazzo Landriani ha contribuito a estendere lo spirito di A Gentle Echo oltre gli abiti, attraverso un ambiente in cui forme organiche, sensibilità floreale e attenzione artigianale hanno accompagnato il racconto della collezione. L’allestimento ha così dialogato con la ricerca del brand, rafforzando il legame tra moda, materia e atmosfera.

Gongdid Design: la gratitudine diventa un linguaggio creativo

Con il debutto ufficiale alla Milano Fashion Week, Gongdid Design ha presentato una collezione che ha riunito plissé, ricami, simboli nascosti e silhouette essenziali in una narrazione coerente con il proprio universo creativo. A Gentle Echo ha trasformato la gratitudine in un gesto affidato agli abiti, ai dettagli e alla cura delle lavorazioni.

Una proposta Primavera/Estate 2027 nella quale la dimensione emotiva si è tradotta in ricerca formale, dando vita a un guardaroba che ha privilegiato delicatezza, tattilità e una visione della moda capace di comunicare anche attraverso ciò che rimane sottile e nascosto.

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In occasione della Milano Fashion Week, domenica 27 settembre 2026, la Sala Cristalli dell’Hotel Principe di Savoia a Milano ospita un Private Showcase dedicato all’alta gioielleria, organizzato da BRN Communication con Dress_Code Magazine nel ruolo di Media Partner. Un appuntamento che riunisce sette maison italiane e internazionali, mettendo al centro l’incontro tra artigianalità, ricerca gemmologica e visione contemporanea.

Sethi Gioielli, Brarda, Ansuini 1860, d’Avossa, Spinelli Gioielli, Costis Jewelry e Pasquini Roma sono i protagonisti di una selezione che racconta interpretazioni differenti del gioiello: dalla tradizione orafa italiana alle contaminazioni culturali, dalle gemme rare alle creazioni scultoree, fino ai progetti personalizzati concepiti intorno alla storia e alla personalità di chi li indossa.

Il Private Showcase si propone come un’occasione per scoprire creazioni che superano la funzione ornamentale e si avvicinano al linguaggio dell’arte, attraverso lavorazioni preziose, ricerca estetica e identità progettuali riconoscibili.

Sethi Gioielli: l’incontro tra cultura indiana e savoir-faire italiano

Con radici a Jaipur, storico centro internazionale delle pietre preziose, Sethi Gioielli porta nell’alta gioielleria una tradizione gemmologica familiare che si tramanda da oltre cinquant’anni. Dal 2005 questa esperienza si traduce in una visione contemporanea della fine jewellery, capace di coniugare il patrimonio indiano con l’eleganza e la maestria artigianale italiana.

Diamanti, smeraldi, rubini, zaffiri e gemme colorate sono al centro di creazioni che traggono ispirazione dall’arte, dall’architettura, dalla natura e dalla storia. Ogni gioiello viene concepito come un oggetto dotato di una propria identità narrativa, capace di esprimere individualità, emozioni e memoria personale.

Il controllo diretto del processo creativo e l’attenzione nella selezione delle pietre rappresentano elementi centrali della filosofia della maison, che trova nella boutique di Ponte Vecchio, a Firenze, un punto d’incontro tra culture e tradizioni.

Brarda: l’eccellenza artigianale e la gioielleria su misura

Fondata nel 2002 dal maestro orafo e designer Giancarlo Brarda, la maison Brarda Creazioni di Gioielleria sviluppa una ricerca che mette al centro la produzione artigianale e l’unicità. Nell’atelier di Pinerolo, ogni creazione nasce dall’incontro tra competenza tecnica, sperimentazione estetica e attenzione alla personalità di chi la indosserà.

Il percorso formativo di Brarda comprende gli studi in metalli e oreficeria presso l’Istituto d’Arte Amleto Bertoni di Saluzzo e la specializzazione in gemmologia al Gemological Institute of America, dove ha conseguito la qualifica di Graduate Gemologist.

Oro, platino e gemme pregiate vengono lavorati attraverso un processo che privilegia la cura del dettaglio e la personalizzazione. Accanto all’alta gioielleria e ai progetti su misura, la Renew Collection propone un approccio orientato alla trasformazione di gioielli esistenti in nuove creazioni contemporanee.

Dall’idea iniziale alla realizzazione finale, il designer segue direttamente il progetto, avvalendosi di una rete selezionata di artigiani e laboratori specializzati, anche nel distretto orafo di Valenza. Eccellenza, autenticità ed esclusività definiscono così una filosofia che si distanzia dalla produzione seriale per valorizzare il rapporto tra oggetto, artigiano e persona.

Ansuini 1860: la tradizione romana reinterpretata in chiave contemporanea

Fondata nel 1860, Ansuini 1860 è una storica maison romana di alta gioielleria, la cui tradizione artigianale si tramanda da sei generazioni. La lavorazione manuale rimane al centro dell’identità del marchio: le creazioni vengono disegnate e realizzate a mano dai maestri orafi della maison.

Roma rappresenta la principale fonte d’ispirazione, con il suo patrimonio artistico, architettonico e culturale. L’eleganza della Città Eterna e le forme del Barocco vengono reinterpretate attraverso un linguaggio contemporaneo, caratterizzato da colori caldi, linee morbide, pietre preziose e grande attenzione ai dettagli.

La collezione Roma esprime in modo particolare questo legame con il territorio, mentre diamanti, smeraldi, rubini, zaffiri e altre gemme definiscono un universo creativo fondato sulla ricchezza della materia e sull’unicità delle lavorazioni.

La maison ha sede nello storico Palazzo Massimo, a pochi passi da Piazza Navona. Una collocazione che rafforza il rapporto con la città e con una concezione dell’alta gioielleria in cui la memoria artigianale dialoga con le esigenze estetiche del presente.

d’Avossa: gemme rare e creazioni dalla forte identità

Con un marchio in uso dal 1975, d’Avossa Gioielli interpreta il gioiello come una forma d’arte, privilegiando pezzi unici, edizioni estremamente limitate e progetti personalizzati. La sua identità si distingue per le lavorazioni esclusive dell’oro, le forme morbide e avvolgenti e una ricerca cromatica che trova nelle gemme rare uno dei propri elementi caratterizzanti.

Tormaline Paraiba, tanzaniti, morganiti, granati mandarino, perle Melo, zaffiri stellati e corallo Peau d’Ange figurano tra le pietre che alimentano la ricerca della maison, spesso accostate a diamanti fancy dai colori naturali.

Tra gli elementi distintivi compare l’incastonatura definita «a polvere di stelle», che crea sull’oro una superficie luminosa attraverso la disposizione dei diamanti. Un dettaglio tecnico che diventa parte integrante del linguaggio estetico del marchio.

La dimensione creativa si sviluppa anche attraverso un confronto tra generazioni: madre e figlia condividono idee, accostamenti cromatici e sperimentazioni sulle forme, successivamente tradotti in gioielli grazie alla collaborazione con maestri orafi.

Collezioni come The Masterpiece, Rainbow, Ribbon, Sunshine, Starry Night e A Thousand Chains raccontano un lusso sofisticato e anticonvenzionale. La maison è presente con il proprio atelier in via Borgognona, nel cuore di Roma, e con una boutique a Porto Cervo.

Spinelli Gioielli: la gemmologia come punto di partenza

Spinelli Gioielli nasce dall’esperienza familiare di Mineralcenter, realtà legata alla gemmologia e alla mineralogia. Ad Abano Terme, Lucia, Marco e Paolo Spinelli portano avanti l’eredità del padre Mario, sviluppando una visione contemporanea dell’alta gioielleria in cui la conoscenza delle pietre preziose incontra la ricerca creativa.

Le gemme sono il fulcro del processo progettuale: selezionate e valorizzate attraverso materiali ricercati e lavorazioni di alto livello, diventano il punto di partenza per creazioni che dialogano con il design, l’arte e le contaminazioni della moda.

Il savoir-faire di orafi, cesellatori e incastonatori si accompagna alla sperimentazione di forme e materiali, mentre la possibilità di realizzare gioielli bespoke e made to measure consente di sviluppare progetti costruiti intorno ai desideri e alla personalità del cliente.

A sostenere questa ricerca è anche la competenza gemmologica del laboratorio Mineralcenter Gem-Lab. Il risultato è una concezione del lusso intima e personale, nella quale la qualità della materia si combina con la libertà progettuale e con il valore emotivo del gioiello.

Costis Jewelry: il gioiello come scultura da indossare

Fondata dal designer greco Konstantinos Chamamtzis, conosciuto come Costis, la maison Costis Jewelry nasce dall’incontro tra arte, natura, architettura e osservazione della vita quotidiana.

Dopo aver iniziato il proprio apprendistato a 17 anni, il designer si è formato presso l’Istituto Benvenuto Cellini di Valenza, aprendo successivamente uno studio ad Atene. Oggi le creazioni vengono realizzate nel laboratorio di Valenza sotto la sua diretta supervisione, in un dialogo tra sensibilità artistica greca ed eccellenza artigianale italiana.

La cifra stilistica del marchio risiede nella capacità di trasformare elementi comuni, come matite, conchiglie, onde, fiori e forme naturali, in gioielli scultorei, sofisticati e spesso tridimensionali. Il colore e le pietre preziose diventano strumenti espressivi attraverso cui esplorare volumi, movimento e proporzioni.

Le collezioni si articolano in quattro universi creativi: Color Enchantment, Architectural Grace, Movement and Flow e Inspired by Real Life. Accanto a queste linee, la maison realizza pezzi unici e gioielli su misura, seguendo direttamente il percorso che conduce dal primo disegno alla creazione finale.

Il gioiello si trasforma così da semplice ornamento in una piccola opera d’arte, capace di sorprendere attraverso forme anticonvenzionali e una ricerca estetica fortemente riconoscibile.

Pasquini Roma: una storia di ricerca e bellezza senza tempo

Con oltre venticinque anni di esperienza, Pasquini Roma costruisce la propria identità attraverso viaggi, ricerca e incontri con pietre e materiali preziosi provenienti da diverse parti del mondo. Roma costituisce il riferimento centrale di questo percorso: la sua luce, le sue forme e la sua eredità artistica diventano una fonte d’ispirazione per creazioni che uniscono tradizione e contemporaneità.

Ogni gioiello nasce da un processo artigianale che parte dal disegno e prosegue attraverso la lavorazione dell’oro e l’incastonatura delle pietre. Oro bianco, rosa e nero a 18 carati si combina con diamanti, zaffiri, rubini, smeraldi e altre gemme selezionate, dando forma a creazioni caratterizzate da volumi, colori e dettagli distintivi.

Le collezioni Decò Heritage, Nest, Icon, The Dome e Flower esplorano linguaggi differenti, mantenendo al centro il valore del lavoro manuale e una visione sofisticata della femminilità contemporanea.

La maison interpreta così il gioiello come un oggetto destinato a durare nel tempo e a custodire una storia personale. Una visione in cui l’identità italiana e il legame con Roma si traducono in creazioni che celebrano l’unicità senza rinunciare a una sensibilità attuale.

L’alta gioielleria tra tradizione, ricerca e contemporaneità

Il Private Showcase organizzato da BRN Communication, con Dress_Code Magazine come Media Partner, riunisce sette realtà accomunate dalla volontà di valorizzare il gioiello attraverso percorsi creativi distintivi.  A emergere è un panorama in cui la manualità, la selezione dei materiali e la progettazione personalizzata continuano a rappresentare elementi centrali, mentre il dialogo con arte, architettura, cultura e design apre nuove possibilità espressive.

Nella cornice della Milano Fashion Week, l’appuntamento offre uno sguardo sull’alta gioielleria come territorio di incontro tra eredità e innovazione, nel quale ogni creazione può diventare un segno d’identità, un racconto personale e un oggetto destinato ad attraversare il tempo.

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Per la Primavera/Estate 2027, TELL THE TRUTH porta alla Milano Fashion Week DELILAH, una collezione femminile che rilegge una delle narrazioni più emblematiche di potere, desiderio e tradimento: la storia biblica di Dalila e Sansone. Presentata il 27 settembre 2026 al Major Virtual Tunnel di Milano, all’interno del calendario ufficiale della Camera Nazionale della Moda Italiana, la proposta della maison trasforma il racconto antico in una riflessione contemporanea sulla forza, la vulnerabilità e il controllo.

Fondata e diretta creativamente da Rainy Womack, la casa di moda sviluppa un linguaggio in cui il lusso contemporaneo incontra una sensibilità ribelle. Con DELILAH, questa visione si esprime attraverso contrasti studiati, codici femminili e maschili che si intrecciano e silhouette capaci di oscillare tra rigore ed eccesso, esposizione e occultamento.

Live Report

Le immagini della passerella restituiscono l’atmosfera e il linguaggio visivo di DELILAH, tra proporzioni scultoree, contrasti estetici e una riflessione sul rapporto tra femminilità e potere.

Dalila e Sansone: il potere come seduzione

La storia di Dalila e Sansone costituisce il nucleo narrativo della collezione, ma Rainy Womack sceglie di non tradurla in una rappresentazione letterale del racconto biblico. A interessare la direttrice creativa sono soprattutto le tensioni che lo attraversano: la seduzione che incontra la forza, la vulnerabilità che si trasforma in potere, la devozione che convive con il tradimento.

DELILAH esplora il momento in cui l’intimità diventa uno strumento d’influenza e chi appare più forte si scopre, improvvisamente, esposto. Il potere non viene quindi inteso come una condizione stabile, ma come un equilibrio mutevole, determinato anche dalla percezione e dalla capacità di orientare le relazioni.

Da questa premessa prende forma una collezione che interroga i ruoli tradizionali e le dinamiche di controllo, restituendo una femminilità complessa, lontana da definizioni univoche. Non una storia di debolezza, dunque, ma un’indagine su chi detiene il potere, su come lo esercita e su cosa accade quando gli equilibri cambiano.

Tra sartorialità e streetwear: i contrasti della collezione SS27

La ricerca estetica di TELL THE TRUTH si sviluppa attraverso un dialogo tra codici apparentemente opposti. I riferimenti alla sartorialità incontrano lo streetwear di fascia alta, mentre le proporzioni scultoree contribuiscono a costruire silhouette che alternano contenimento e libertà, delicatezza e decisione.

Le componenti femminili e maschili si sovrappongono e si contaminano, mettendo in discussione confini rigidi e convenzioni consolidate. Il risultato è un guardaroba costruito sulla tensione tra ciò che viene mostrato e ciò che rimane nascosto, tra la precisione della struttura e la possibilità di eccedere.

La provocazione è controllata, affidata al contrasto e alla composizione più che a un’unica dichiarazione visiva. In questa prospettiva, il lusso contemporaneo diventa per la maison uno spazio di sperimentazione, nel quale il rigore formale incontra un’attitudine ribelle e una narrazione culturale riconoscibile.

Una visione estetica che coinvolge l’intera passerella

Per DELILAH, l’abito non rappresenta un elemento isolato, ma parte di un linguaggio visivo più ampio. Styling, beauty, occhiali e gioielli concorrono alla costruzione dell’identità della collezione, contribuendo a tradurre i temi della forza, della seduzione e della trasformazione in un’esperienza coerente.

La presentazione al Major Virtual Tunnel, con la sua dimensione industriale, ha offerto una cornice alla fisicità e all’intensità del progetto. La produzione della sfilata è stata curata da Carnival Staff, responsabile dell’organizzazione e del coordinamento della presentazione milanese.

Tra i partner coinvolti figurano Elle Irwin Jewelry, per i gioielli che completano i look attraverso un dialogo tra delicatezza e carattere, e SUN SUNS, che contribuisce alla costruzione dell’identità della donna TELL THE TRUTH attraverso la propria ricerca nell’eyewear. Il progetto beauty ha visto inoltre la partecipazione di femme®, KI, New York Makeup Academy, StageLine Cosmetics e Wella Professionals, impegnati rispettivamente nell’ambito del trucco, della bellezza e dell’hairstyling.

Un contributo significativo al processo creativo è arrivato anche da Otherwander Soho: Rainy Womack ha infatti disegnato una parte rilevante della collezione all’interno dello spazio del brand, rafforzando il dialogo tra moda, identità ed espressione culturale.

TELL THE TRUTH: il percorso internazionale della maison

Fondata nel 2021 a Los Angeles da Rainy Womack, designer e direttrice creativa statunitense, TELL THE TRUTH è una maison indipendente di lusso con attività a Parigi e produzione in Italia. La sua ricerca si concentra sul prêt-à-porter contemporaneo, attraverso un equilibrio tra minimalismo raffinato, ribellione e narrazione culturale.

Nel corso del proprio percorso, il marchio ha presentato le sue collezioni a New York, Londra, Berlino e Milano, consolidando progressivamente la propria presenza nel panorama internazionale. La sfilata femminile SS27 arriva dopo il debutto milanese della collezione Autunno/Inverno 2026 e la presentazione maschile Primavera/Estate 2027, segnando un ulteriore capitolo nel rapporto della maison con la città.

Con DELILAH, TELL THE TRUTH prosegue la costruzione di un immaginario autonomo, nel quale la moda diventa strumento per raccontare storie senza tempo attraverso un linguaggio attuale. Il riferimento a Dalila e Sansone non si esaurisce nella suggestione biblica, ma apre una riflessione sulle relazioni di potere, sulla percezione della forza e sulla complessità del desiderio.

La Primavera/Estate 2027 si inserisce così nel percorso di una maison che cerca nella contaminazione tra lusso, cultura e provocazione una propria identità: una visione in cui la femminilità non è una definizione immobile, ma uno spazio di trasformazione, contraddizione e consapevolezza.

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La collezione Primavera/Estate 2027 di Casa Preti si intitola Palermo e nasce da una riflessione sul potere delle immagini, sui meccanismi del capitalismo contemporaneo e sulla necessità di sottrarsi alle sue seduzioni. Un progetto che intreccia identità cittadina, ricerca sui materiali e presa di posizione politica, trasformando il guardaroba quotidiano in uno strumento di espressione.

Firmata dall’Art Director Mattia Piazza, la collezione si allontana dalla consueta ricerca del brand su abiti difficili da definire per concentrarsi su un armadio essenziale, composto da capi familiari come mutande, camicie, giacche a vento e jeans. Una scelta che non rinuncia alla sperimentazione, ma la trasferisce nei materiali, nelle immagini e nel significato attribuito agli oggetti.

Live Report

Le immagini del fashion show restituiscono l’identità della collezione Palermo e il dialogo tra ricerca estetica, memoria urbana e impegno civile.

Palermo, un racconto visivo tra identità e capitalismo contemporaneo

Al centro della collezione c’è il rapporto con le immagini e con i processi attraverso cui vengono prodotte, diffuse e consumate. Palermo prende forma da una raccolta di immagini legate alla città, capaci di restituirne tratti e caratteristiche con immediatezza. Non si tratta soltanto di costruire un omaggio al luogo d’origine, ma di interrogare il modo in cui ciò che ci circonda viene osservato, trasformato e investito di nuovi significati.

La riflessione si estende ai meccanismi del capitalismo contemporaneo, che attribuisce valore alle immagini e ai sentimenti, alimentando desideri e richiami seducenti. In questo scenario, la reiterazione e la circolazione delle immagini possono modificarne il significato originario, fino a svuotarle di senso. È proprio in questa trasformazione che Casa Preti individua uno dei nodi centrali della propria ricerca.

La città diventa così molto più di uno sfondo: è un luogo di appartenenza, memoria e ritorno, ma anche il punto di partenza per una riflessione più ampia sul presente.

San Sebastiano e il canto delle sirene

Nella costruzione concettuale di Palermo, la figura di San Sebastiano assume un ruolo significativo. La sua immagine diventa uno strumento per indagare i processi di appropriazione e risignificazione che caratterizzano la cultura contemporanea: un simbolo che, attraverso la ripetizione e la circolazione, si carica di significati differenti e si espone al rischio di perdere la propria profondità.

Accanto a questa figura emerge il richiamo alle sirene, creature ambivalenti il cui canto attrae e seduce, ma dalle quali è necessario anche proteggersi. Casa Preti ne recupera la funzione apotropaica, trasformando il riferimento mitologico in una riflessione sulla capacità di riconoscere e contrastare le seduzioni del sistema economico e culturale contemporaneo.

L’invito alla moderazione attraversa l’intero progetto: resistere al richiamo di ciò che promette gratificazione immediata, interrogarsi sui desideri indotti e recuperare uno sguardo consapevole sul mondo. Palermo si configura così come un invito a non cedere passivamente alle immagini, ma a comprenderne i meccanismi e a scegliere come rapportarsi a esse.

Un guardaroba essenziale, materiali riciclati e riciclabili

Sul piano della modellistica, la collezione segna un cambiamento rispetto alla ricerca abituale di Casa Preti, spesso orientata verso capi difficili da ricondurre a definizioni convenzionali. Per la Primavera/Estate 2027, il brand sceglie invece di costruire un guardaroba essenziale, fatto di elementi quotidiani: mutande, camicie, giacche a vento e jeans.

Sono capi riconoscibili, appartenenti a un lessico condiviso, che vengono reinterpretati attraverso una selezione di materiali coerente con la direzione del progetto: seta, denim e nylon riciclati e riciclabili al 100%, secondo quanto dichiarato dal brand.

La scelta di partire da oggetti familiari introduce un ulteriore livello di lettura. Se l’immagine può essere riprodotta, consumata e trasformata, anche l’abito si presta a essere osservato oltre la sua funzione immediata, diventando parte di una riflessione sul rapporto tra identità, consumo e significato. L’essenzialità del guardaroba non coincide quindi con una rinuncia alla ricerca, ma diventa il mezzo attraverso cui renderla più diretta.

La moda come gesto politico: un no alla violenza

La dimensione politica rappresenta uno degli elementi più espliciti di Palermo. Casa Preti definisce la collezione un gesto di protesta e richiama le origini della Repubblica e della Costituzione italiana, nate dal crollo di un sistema fondato sulla violenza.

La presa di posizione è netta: un rifiuto del fascismo e di tutte le forme attraverso cui continua a contaminare la società. Una dichiarazione che il brand sceglie di rendere evidente, pur nella continuità con una ricerca che, fino a oggi, non ha fatto della comunicazione didascalica o esplicita il proprio tratto distintivo.

La necessità di affermare un principio fondamentale diventa parte integrante del progetto: essere contro la violenza non dovrebbe richiedere spiegazioni, eppure, in un contesto in cui la complessità viene spesso ridotta attraverso contrapposizioni e sopraffazione, ribadirlo assume un valore preciso.

Il rifiuto riguarda anche i sistemi che pretendono di semplificare la realtà ricorrendo alla violenza, negando la pluralità delle esperienze e delle interpretazioni. In questo senso, la collezione supera i confini della riflessione estetica per assumere una posizione sul presente.

Casa Preti Primavera/Estate 2027: ritrovare il senso delle immagini

Con Palermo, Mattia Piazza costruisce un progetto in cui il rapporto con le immagini, la memoria della città e la dimensione politica convergono in una riflessione sulla responsabilità dello sguardo. Che cosa scegliamo di osservare? Quali richiami decidiamo di seguire? E quanto siamo consapevoli dei meccanismi che orientano i nostri desideri e le nostre interpretazioni?

Sono interrogativi che attraversano la collezione senza esaurirsi in un messaggio univoco. Il guardaroba essenziale, i materiali riciclati e riciclabili, il riferimento a San Sebastiano e il richiamo alle sirene partecipano a un discorso più ampio sul modo in cui attribuiamo valore agli oggetti e alle immagini.

Palermo, città dell’eterno ritorno a casa, diventa così il luogo simbolico da cui partire per ritrovare una misura e opporsi alle seduzioni che chiedono un’adesione acritica. La moda si fa linguaggio di una presa di posizione che non rinuncia alla complessità, ma invita a difenderla: un gesto di protesta contro la violenza e un richiamo alla possibilità di scegliere, anziché lasciarsi trascinare.

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Live Report

Le immagini della presentazione restituiscono il ritmo e l’identità della collezione MARQUES’ALMEIDA Primavera/Estate 2027, tra silhouette destrutturate, volumi scultorei e contrasti materici che definiscono il linguaggio del brand.

MARQUES’ALMEIDA SS27: tra raffinatezza e irriverenza

La tensione tra elementi apparentemente opposti è da sempre uno dei tratti distintivi di MARQUES’ALMEIDA. Anche per la nuova stagione, il duo formato da Marta Marques e Paulo Almeida sceglie di non ricondurre la propria estetica a un’immagine univoca, ma di alimentarla attraverso contraddizioni, sperimentazioni e accostamenti inattesi.

La raffinatezza acquisita nelle ultime collezioni non viene abbandonata, ma sottoposta a un processo di continua trasformazione. L’eleganza non si traduce in una costruzione rigorosa né nell’adesione a codici convenzionali: viene attraversata da un’attitudine irriverente, che interrompe la compostezza e lascia spazio a una dimensione più istintiva.

La femminilità diventa così un territorio di esplorazione, senza corrispondere a un modello prestabilito. Può essere enfatizzata, esasperata o contraddetta, fino a convivere con elementi che appartengono a un immaginario più pragmatico e funzionale. La collezione si muove proprio in questo spazio di confine, nel quale la libertà espressiva prevale sulla ricerca di un equilibrio formale assoluto.

Volumi scultorei e silhouette destrutturate

La Primavera/Estate 2027 si sviluppa attraverso un articolato gioco di proporzioni. Volumi scultorei si alternano a linee lunghe e affusolate, mentre peplum pronunciati incontrano dettagli cargo e paillettes luminose reinterpretate attraverso forme morbide e maschili.

I volant interrompono la linearità della sartorialità e del denim, introducendo elementi decorativi in un guardaroba che conserva una componente concreta e funzionale. Le gonne lunghe fino a terra convivono con capi ispirati al workwear, mentre gli abiti si concedono un’eccessività deliberata, sottolineata da strascichi che scivolano sul pavimento.

Il risultato non cerca una silhouette perfettamente composta. Al contrario, la costruzione sembra trovare la propria forza proprio nelle interruzioni, negli sbilanciamenti e nella possibilità di lasciare che ogni elemento mantenga una certa autonomia.

Denim, pizzo e contrasti materici

I codici storici di MARQUES’ALMEIDA ritornano in una nuova combinazione di materiali e lavorazioni. Il denim délavé, dall’aspetto vissuto, i bordi grezzi, le asimmetrie e le forme destrutturate si confrontano con la lucentezza del raso, la delicatezza del pizzo, le trasparenze e la ricchezza dei broccati.

È un dialogo tra superfici che appartengono a immaginari differenti: da una parte la materia quotidiana, segnata dall’uso e lontana da qualsiasi perfezione artificiale; dall’altra tessuti e dettagli che evocano occasioni speciali, ricercatezza e decorazione.

Anche il concetto di abito da occasione viene riletto in modo personale. La collezione suggerisce un’eleganza che non dipende dal contesto né dalla necessità di apparire impeccabili. Gli abiti possono essere spettacolari senza diventare convenzionali, mentre le lavorazioni preziose si confrontano con la spontaneità di capi che sembrano stratificati e vissuti.

La palette cromatica accompagna questa ricerca attraverso il nero profondo, le tonalità del beige e del lavanda, il bordeaux, l’azzurro cielo e l’indaco intenso. Stampe e texture si sovrappongono senza inseguire un’armonia rigorosa: l’effetto è quello di un insieme costruito attraverso accostamenti personali, piuttosto che secondo un’immagine coordinata in ogni dettaglio.

L’identità oltre l’idea di perfezione

La riflessione estetica della SS27 si estende al casting e allo styling, coerentemente con una visione dell’identità che rifiuta definizioni rigide. La persona MARQUES’ALMEIDA non corrisponde a una sola idea di donna o di uomo: comprende tutte le possibilità che si collocano oltre le categorie prestabilite.

In questa prospettiva, l’individualità assume un valore centrale e si sottrae ai modelli di perfezione imposti dall’esterno. Non esiste un’unica forma corretta di bellezza, così come non esiste un solo modo di abitare un abito o interpretare la propria identità.

La scelta di lasciare convivere elementi discordanti diventa quindi parte di una riflessione più ampia. Le asimmetrie, i bordi irregolari e le silhouette alterate non sono semplici esercizi stilistici, ma esprimono la volontà di non trasformare la raffinatezza in una formula prevedibile.

MARQUES’ALMEIDA: una ricerca indipendente in continua evoluzione

Fondato nel 2011 da Marta Marques e Paulo Almeida, MARQUES’ALMEIDA nasce dall’incontro tra due designer che sviluppano la propria sensibilità durante il master alla Central Saint Martins di Londra. Il progetto prende forma attraverso le prime collezioni presentate con Fashion East, la piattaforma londinese fondata da Lulu Kennedy, e prosegue con il debutto alla London Fashion Week grazie al programma NEWGEN del British Fashion Council.

Nel 2015 il brand ottiene un importante riconoscimento internazionale con la vittoria dell’LVMH Prize for Young Fashion Designers e del British Fashion Award come Best Emerging Designer. Negli anni successivi consolida la propria presenza nel panorama della moda, mantenendo un’identità riconoscibile e un rapporto con una community che ne condivide la visione.

L’impegno del marchio si estende anche alla sostenibilità e alla responsabilità sociale. Nel 2020 vengono presentati il manifesto M’A Sustainability and Social Responsibility e la linea reM’Ade by MARQUES’ALMEIDA, affiancati da iniziative come See-Through e M’AKERS, dedicate al coinvolgimento e alla valorizzazione delle comunità.

La Primavera/Estate 2027 si inserisce in questo percorso senza rinunciare alla sperimentazione. Le difficoltà che accompagnano il lavoro di un marchio indipendente non diventano un limite alla ricerca, ma si affiancano alla necessità di continuare a evolvere, imparare e ridefinire il proprio linguaggio.

L’eleganza di MARQUES’ALMEIDA rimane così fedele alla propria natura: emotiva, imperfetta e leggermente caotica. Una visione che non cerca di eliminare le contraddizioni, ma le trasforma nel punto di partenza per una moda capace di esprimere individualità e libertà.

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La nuova proposta del duo formato da Tommaso Aquilano e Roberto Rimondi parte da un’esplorazione intima della figura femminile nell’arte e costruisce un racconto visivo in cui suggestioni della Secessione Viennese e riferimenti all’estetica rituale dell’Estremo Oriente si incontrano attraverso colore, stampe, stratificazioni e volumi.

Il risultato è una femminilità sofisticata, nella quale l’ornamento non rappresenta un semplice elemento decorativo, ma diventa struttura, mentre il colore si trasforma in memoria.

Live Report

Il fashion show traduce questo dialogo attraverso silhouette costruite per sovrapposizioni, stampe e architetture tessili. Camicie leggere e gonne materiche si incontrano in un gioco di volumi che richiama le proporzioni del kimono senza ricorrere alla citazione letterale.

Guarda il Live Report di AQUILANO.RIMONDI alla Milano Fashion Week

La Secessione Viennese come punto di partenza

La prima fonte d’ispirazione della collezione sono le atmosfere della Secessione Viennese, movimento che tra la fine dell’Ottocento e l’inizio del Novecento ha ridefinito il rapporto tra arte, decorazione e rappresentazione.

AQUILANO.RIMONDI non si concentra esclusivamente sulle figure più celebri di questo universo, come Gustav Klimt, ma sceglie di riscoprire anche la ricerca di artisti meno conosciuti.

È proprio nelle loro grafiche, nelle palette e nella capacità di trasformare l’inquietudine e l’erotismo femminile in motivi decorativi che la collezione trova una parte della propria identità.

Stampe ipnotiche e campiture di colore audaci diventano così strumenti per costruire una narrazione estetica intensa, nella quale la pittura viene tradotta in superficie tessile.

Memoria d’Oriente

A questa matrice pittorica si affianca una suggestione proveniente dall’immaginario cinematografico di “Memorie di una Geisha”.

Il riferimento non viene tradotto attraverso una riproduzione letterale dell’estetica orientale, ma diventa una suggestione poetica attraverso cui rileggere la femminilità.

Il guardaroba viene infatti decostruito e ricomposto attorno a due elementi essenziali: la gonna e la camicia.

Sono questi i due capi attraverso i quali AQUILANO.RIMONDI costruisce una nuova architettura del corpo, facendo dialogare leggerezza e materia.

Gonna e camicia diventano architettura

La stratificazione e la sovrapposizione, da sempre parte della cifra stilistica di Tommaso Aquilano e Roberto Rimondi, assumono nella Primavera/Estate 2027 un ruolo centrale.

Le silhouette richiamano strutture e volumi dell’iconico kimono, ma senza trasformarsi in una citazione esplicita.

La camicia, leggera e mobile, viene sovrapposta alla matericità della gonna. I due elementi entrano in relazione creando un ritmo crescente, capace di accompagnare e sottolineare il corpo.

Il risultato è una costruzione sartoriale che lavora per strati. Le architetture tessili definiscono la silhouette, mentre le stampe esclusive aggiungono profondità alla superficie.

La forma non viene quindi semplicemente decorata. È la decorazione stessa a contribuire alla costruzione del volume.

Quando il colore diventa memoria

Il colore occupa un ruolo fondamentale nella collezione.

Le tonalità scelte da AQUILANO.RIMONDI contribuiscono a delineare una donna sofisticata, nella quale il rapporto tra ornamento e struttura diventa parte integrante della narrazione.

La palette non è soltanto un elemento visivo, ma una forma di memoria. Le cromie sembrano trattenere le suggestioni delle diverse fonti d’ispirazione e restituirle attraverso il linguaggio contemporaneo della moda.

È proprio nell’incontro tra colore e superficie che il titolo “Cromie e Memorie” trova la sua sintesi.

Una femminilità ricomposta

La Primavera/Estate 2027 di AQUILANO.RIMONDI non propone quindi una semplice fusione tra riferimenti occidentali e orientali.

La collezione parte dall’arte per interrogarsi sulla rappresentazione della donna e utilizza la moda come strumento di ricomposizione.

La Secessione Viennese offre il linguaggio del colore, della decorazione e dell’ornamento. L’immaginario orientale introduce invece una diversa concezione della costruzione del corpo e del volume.

Tra questi due mondi, AQUILANO.RIMONDI sviluppa una femminilità contemporanea, sofisticata e consapevole.

Una donna nella quale il colore diventa memoria, l’ornamento diventa struttura e l’abito si trasforma in un’architettura capace di raccontare il corpo senza limitarlo.

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Il punto di partenza è profondamente personale. È una frase pronunciata dal padre alla nascita della designer: “Dove passerà lei non crescerà più erba”. Parole che racchiudono l’idea di una personalità destinata a lasciare il proprio segno, determinata e capace di distinguersi.

Un’eredità affettiva che Barbara Rizzi trasforma oggi in una riflessione sulla forza individuale, sulla consapevolezza e sulla possibilità di abitare pienamente la propria identità.

Live Report

Il fashion show porta in passerella una femminilità assertiva e consapevole, costruita attraverso silhouette verticali, contrasti materici e una palette che alterna profondità e luminosità.

Guarda il Live Report di Barbara Rizzi alla Milano Fashion Week.

Dalla memoria personale alla forza dell’ANIMA

“ANIMA inspired by Chiang Kai-shek” nasce da una memoria familiare che la designer sceglie di rileggere senza trasformarla in una celebrazione letterale del passato.

“Evocare figure come Gengis Khan, Attila o Chiang Kai-shek non significa augurare la distruzione, significa riconoscere in una bambina la stoffa di chi è fatto per comandare nel caos, reggere gli urti, non piegarsi”, racconta Barbara Rizzi.

E aggiunge: “Diceva sempre mi spezzo ma non mi piego. Non erano carezze, erano investiture”.

La frase diventa così la chiave per comprendere l’intera collezione. La forza non viene intesa come imposizione, ma come capacità di resistere, attraversare le avversità e rimanere fedeli alla propria individualità.

Chiang Kai-shek come riferimento interiore

Il riferimento a Chiang Kai-shek viene affrontato attraverso una lettura volutamente lontana dall’immaginario militare.

Barbara Rizzi ne raccoglie gli elementi immateriali: rigore, resistenza, disciplina e capacità di resilienza. Tutti aspetti che vengono trasferiti dalla dimensione storica a quella interiore.

L’armatura viene quindi privata della sua connotazione bellica. Rimane ciò che la sostiene: l’ANIMA.

È una scelta che permette alla designer di trasformare un riferimento esterno in uno strumento di introspezione. Il passato non viene riprodotto, ma filtrato e ricondotto alla dimensione individuale.

Silhouette tra controllo e movimento

Questa tensione prende forma nelle silhouette verticali, che conferiscono ai capi una presenza netta.

Il tessuto segue il corpo senza assecondarlo completamente. Lo accompagna, lo contiene e, in alcuni casi, sembra quasi contrastarne il movimento.

Nasce così un equilibrio fatto di opposti: morbidezza e fermezza, movimento e controllo, disciplina e libertà.

La femminilità proposta da Barbara Rizzi non coincide con la delicatezza. Allo stesso modo, l’autorevolezza non necessita di rigidità.

Ogni look vive all’interno di questa relazione tra elementi apparentemente contrari, che trovano nella silhouette un punto di equilibrio.

I colori della forza

Anche la palette cromatica segue la filosofia della collezione.

Il Testa di Moro, intenso e materico, richiama la terra bagnata e diventa espressione di autorità. Il verde rappresenta il controllo, mentre il rame interpreta il potere nella sua dimensione mutevole.

L’ossidazione del rame diventa infatti metafora del tempo e della trasformazione: una materia che cambia, acquisisce una patina e trova proprio nel mutamento una nuova intensità.

A completare la palette c’è lo champagne, più rarefatto e luminoso. Un colore che richiama nobiltà e misura e alleggerisce la severità dell’insieme senza comprometterne la profondità.

Un’eredità da trasformare

“ANIMA inspired by Chiang Kai-shek” diventa così un esercizio di appropriazione.

L’eredità ricevuta non viene riprodotta né celebrata in maniera letterale. Viene trasformata in qualcosa di personale, contemporaneo e profondamente legato all’identità della designer.

La collezione parla quindi della possibilità di portare con sé il proprio passato senza esserne schiacciati. Una riflessione sulla capacità di ricevere un’eredità e, allo stesso tempo, di renderla propria.

È in questa trasformazione che la forza diventa identità.

Le declinazioni internazionali di ANIMA

Il progetto si sviluppa anche attraverso due linee pensate per specifici mercati internazionali: ANIMA AYEON, destinata al mercato coreano, e ANIMA Izza inspired by Noble Strength, dedicata al mercato Middle East.

Nell’agosto 2026 Barbara Rizzi ha presentato ANIMA AYEON con due fashion show esclusivi e un pop-up presso la Galleria Luxury Hall West, prestigioso department store di Seoul.

La maison è stata selezionata come unica realtà Made in Italy protagonista degli E-Days, evento dedicato ai principali brand internazionali e a una clientela VIP selezionata.

ANIMA IZZA Inspired by Noble Strength debutterà invece in esclusiva a Doha nel novembre 2026.

Barbara Rizzi, tra alta manifattura e visione contemporanea

Fondatrice dell’omonimo brand di lusso 100% Made in Italy, Barbara Rizzi è specializzata nell’alta moda femminile e negli accessori.

Il marchio, profondamente legato alla tradizione dell’eccellenza artigianale italiana, ha debuttato ufficialmente nel 2021 con la prima collezione, sviluppando una visione contemporanea dell’eleganza e della sofisticazione.

Nel 2024 il brand è approdato sulle passerelle della Milano Fashion Week. A partire dalla Primavera/Estate 2024, Barbara Rizzi ha presentato con continuità le proprie collezioni nell’ambito della MFW, costruendo un’identità riconoscibile attraverso fashion show in cui ricerca stilistica, femminilità e alta manifattura italiana convivono.

Con “ANIMA inspired by Chiang Kai-shek”, questa ricerca si concentra sulla forza come elemento identitario. Una forza che non ha bisogno di essere esibita, ma che prende forma nella capacità di resistere, trasformarsi e lasciare il proprio segno.

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Un progetto che parte da un’immagine potente: quella di un calmo lago italiano improvvisamente attraversato da una tempesta, trasformato da onde e schiuma. Un paesaggio in cui la quiete lascia spazio alla forza degli elementi e che diventa metafora di un presente segnato da una crescente instabilità ambientale.

Live Report

La presentazione di “Surfacing” traduce in immagini, materiali e silhouette il dialogo tra corpo e natura. La pelle, la maglieria e i tessuti diventano superfici da esplorare, corrodere e ricomporre, mentre le forme evocano sedimenti, rocce, alghe, fiori e schiume.

Guarda il Live Report di Florania alla Milano Fashion Week

L’eco gothic come lente sul presente

Il punto di partenza concettuale della collezione è l’eco gothic, sottogenere letterario e approccio critico che combina le atmosfere del gotico con le prospettive dell’ecocritica. Una chiave di lettura attraverso cui interrogare il rapporto conflittuale tra essere umano e natura.

Tra i riferimenti dichiarati emergono “Surfacing” di Margaret Atwood e “Annihilation” di Jeff VanderMeer, opere nelle quali l’ambiente non rappresenta soltanto uno sfondo, ma diventa una presenza capace di modificare la percezione e mettere in crisi le certezze dell’essere umano.

Florania guarda così anche alla distopia contemporanea. In un momento storico in cui l’attenzione sulla coscienza dell’intelligenza artificiale rischia di sovrastare la discussione sulle emergenze climatiche, la collezione torna a interrogarsi sul rapporto con il mondo naturale.

La domanda è quella del Sublime romantico: come tradurre sulla forma umana una natura contemporaneamente maestosa e terrificante?

Geologia, erosione e nuove superfici

La risposta passa innanzitutto dalla materia. La collezione lavora sulla geologia, sulle texture minerali e botaniche, trasformando stratificazioni, sedimenti, erosioni e superfici corrose dalle intemperie in elementi del linguaggio visivo.

A questa dimensione minerale si contrappone il suo rovescio organico: fiori, maree e schiume.

Le texture naturali vengono ricostruite sulla pelle attraverso l’aerografo, che deposita il colore come farebbe un agente atmosferico. La superficie viene così segnata, modificata e apparentemente consumata. La stessa logica attraversa le manipolazioni tessili, dove il materiale viene lavorato fino ad assumere l’aspetto di una crosta o di un sedimento.

Il risultato è una moda che non cerca una superficie perfetta, ma racconta proprio ciò che accade quando la materia viene sottoposta al tempo e agli elementi.

La maglieria come organismo

La maglieria rappresenta uno dei nuclei sperimentali della ricerca di Florania. Qui il riferimento si sposta verso la dimensione più fluida della natura.

Fiori e maree prendono forma attraverso strutture aperte, filati che si ritirano e si sfaldano, orli che si sfrangiano evocando alghe o schiuma. I tricot drappeggiati si annodano al corpo come corde recuperate dall’acqua, mentre le sete stratificate costruiscono volumi morbidi, mobili e volutamente instabili.

I capi possono apparire minerali e polverosi oppure leggeri come la schiuma. In altri casi diventano vere e proprie nuove pelli, capaci di modificare la silhouette e spingerla verso una dimensione quasi animale.

Il corpo non viene quindi semplicemente vestito. Viene trasformato in una superficie sulla quale la natura lascia le proprie tracce.

Una palette estratta dalla natura corrosa

Anche la palette cromatica nasce dall’osservazione di un paesaggio consumato dagli elementi.

Sabbia, osso ed ecru richiamano la pietra e la polvere. I grigi cenere e gli antraciti evocano ombre e superfici rocciose. Blu notte e neri definiscono il versante più scuro e minerale della collezione.

All’interno di questa gamma emerge un unico accento saturo: il corallo della cocciniglia, colore ottenuto da un organismo vivente invasivo.

Una scelta cromatica precisa, che introduce una presenza organica e inattesa all’interno di un paesaggio dominato da tonalità terrose, fredde e profonde.

L’abito come linguaggio

“Surfacing” non pretende di offrire soluzioni alle criticità ambientali contemporanee. La sua forza sta piuttosto nella capacità di trasformare una domanda ecologica in un’esperienza visiva.

La collezione immagina un personaggio che vive nella natura distopica del presente e del futuro e che, attraverso ciò che indossa, rende visibili le tensioni del proprio tempo.

Da qui nasce una riflessione sul potere dell’immagine: se l’abito è una forma di autorappresentazione, può forse contribuire a rendere riconoscibili tematiche e proiezioni sociali prima ancora delle parole?

È proprio in questa possibilità che Florania individua una forma di ottimismo.

La collaborazione con Lineapelle e Crocs

La ricerca di Florania si sviluppa anche attraverso le collaborazioni che accompagnano il progetto.

LineaPelle, main partner della sfilata, ha ospitato il fashion show nei propri spazi milanesi. La collaborazione si concentra sulla pelle intesa come materiale vivo e trasformabile, esplorato attraverso finissaggi, aerografie e lavorazioni a catena metallica capaci di aprire e ricomporre la superficie.

Crocs affianca invece Florania come partner del progetto con calzature sviluppate appositamente per il fashion show, completando il dialogo tra sperimentazione materica e trasformazione del corpo.

La musica dello show è stata curata da Carloalberto.

Con “Surfacing”, Florania porta così nella Milano Fashion Week una riflessione in cui moda, materia e natura si incontrano. Una collezione che sceglie di osservare il presente attraverso le tracce lasciate dagli elementi e che trasforma erosione, instabilità e trasformazione in strumenti di ricerca.

Non una rappresentazione nostalgica della natura, ma il tentativo di immaginare quale forma possa assumere il corpo quando il paesaggio intorno a noi è già cambiato.

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Al centro della collezione si trova il concetto di “Jin Mai” (锦脉), traducibile come le “trame vitali” del broccato: un’immagine che mette in relazione le venature della vita con la trama e l’ordito del tessuto. Il risultato è una rilettura del broccato che non si limita a conservarne la memoria, ma ne esplora nuove possibilità attraverso la costruzione dell’abito.

Le immagini della presentazione raccontano Brocade Reborn, la collezione Spring/Summer 2027 di ZHONGFANG.LIJIN, tra sete, broccati, texture ispirate alla natura e una palette che rilegge la tradizione cromatica orientale.

Un racconto visivo che permette di entrare nel mondo creativo del designer He Rong e osservare da vicino il dialogo tra patrimonio tessile cinese e moda contemporanea.

Guarda il Live Report di ZHONGFANG.LIJIN alla Milano Fashion Week.

Il broccato come materia viva

La storia del broccato cinese attraversa secoli di evoluzione, mantenendo un forte legame con la cultura e l’identità del Paese. In Brocade Reborn, questa eredità viene trasformata in un linguaggio contemporaneo, nel quale la tradizione tessile diventa materia per sperimentare forme, texture e costruzioni.

Le creazioni di ZHONGFANG.LIJIN prendono ispirazione dal mondo naturale e, in particolare, da tre elementi legati al ciclo della seta: la foglia di gelso, il bozzolo e la farfalla.

Le venature delle foglie, la struttura delle ali e la texture dei fili di seta vengono tradotte attraverso pieghe, superfici e motivi decorativi. Il tessuto non è quindi soltanto una componente dell’abito, ma diventa parte della sua stessa struttura, contribuendo a definire silhouette e movimento.

Il broccato assume così una nuova energia: la sua dimensione storica rimane riconoscibile, ma viene reinterpretata attraverso una visione capace di guardare al futuro.

La palette ispirata alla natura

Anche il colore contribuisce a costruire il dialogo tra tradizione e contemporaneità. La palette della collezione si ispira alla filosofia dei Cinque Elementi, Wu Xing, attraverso una selezione di tonalità che richiama la sensibilità estetica orientale e il rapporto tra uomo e natura.

Tianshui Bi evoca il verde-azzurro limpido dell’acqua e del cielo; Taoyao richiama la delicatezza del fiore di pesco; Mihe si muove tra miele e beige; Yuebai interpreta un bianco lunare attraversato da leggere sfumature azzurre; Dailan, infine, introduce la profondità dell’indaco.

Tonalità leggere e colori più intensi si alternano all’interno della collezione, creando una sensazione di equilibrio. Il colore diventa così parte del racconto naturale di Brocade Reborn e accompagna l’idea di rigenerazione che attraversa l’intero progetto.

Tradizione e futuro

La forza della proposta di ZHONGFANG.LIJIN risiede nella capacità di non considerare la tradizione come un elemento statico. Il patrimonio del broccato viene utilizzato come punto di partenza per una ricerca che guarda alla moda contemporanea senza interrompere il legame con le proprie radici.

È un approccio che riflette anche il percorso del designer He Rong, ingegnere tessile e dottore di ricerca presso la Zhejiang Sci-Tech University, oltre che fondatore e direttore creativo del brand. Con oltre vent’anni di esperienza nel settore della moda, He Rong concentra la propria ricerca sulle sete pregiate e sui broccati elaborati, utilizzandoli per trasferire nella moda contemporanea i codici della tradizione tessile cinese.

ZHONGFANG.LIJIN opera nel segmento medio-alto e alto del mercato con collezioni dedicate sia all’universo femminile sia a quello maschile.

Haining porta il patrimonio tessile cinese a Milano

La presentazione milanese rappresenta anche un momento significativo per Haining China Home Textile City, uno dei principali poli tessili cinesi, che porta per la prima volta a Milano il lavoro di He Rong e di ZHONGFANG.LIJIN.

Il distretto rappresenta un articolato ecosistema produttivo e commerciale, nel quale convivono numerose realtà e specializzazioni dell’intera filiera tessile. La presenza alla Milano Fashion Week diventa quindi un’occasione per mettere in relazione la tradizione manifatturiera cinese con uno dei principali appuntamenti internazionali dedicati alla moda.

Nel percorso di He Rong e ZHONGFANG.LIJIN, questa attenzione al patrimonio tessile ha ricevuto diversi riconoscimenti, tra cui il China-Chic Influence Award 2025, il China International Fashion Cultural Heritage Innovation Brand 2026 e il Golden Award for Silk Innovation 2026.

Il designer ricopre inoltre il ruolo di ambasciatore ufficiale per la promozione del patrimonio culturale tessile cinese e, attraverso ZHONGFANG.LIJIN, è presente nel calendario della China International Fashion Week.

Una bellezza che continua a trasformarsi

Con Brocade Reborn, ZHONGFANG.LIJIN porta dunque a Milano una concezione della moda come spazio di continuità. Il broccato non viene trattato come una testimonianza immobile del passato, ma come un materiale capace di evolversi insieme alla società, mantenendo riconoscibili le proprie radici.

Foglie, bozzoli e farfalle diventano riferimenti per costruire forme e superfici; la palette richiama acqua, cielo, fiori, luna e terra; la seta e il broccato custodiscono una storia che viene continuamente reinterpretata.

Il debutto alla Milano Fashion Week diventa così il punto d’incontro tra due dimensioni: da una parte un patrimonio tessile profondamente legato alla cultura cinese, dall’altra una moda contemporanea che cerca nuove forme per raccontarlo.

Brocade Reborn suggerisce che la tradizione può continuare a vivere proprio attraverso la trasformazione. Una bellezza orientale che non rimane confinata nel tempo, ma rinasce ogni volta che incontra un nuovo sguardo.

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Una collezione che nasce quindi dalla memoria, ma che non guarda al passato con nostalgia. Il lavoro di Arbesser consiste piuttosto nel modificare la percezione di ciò che già possiede, accostando materiali, colori e motivi provenienti da momenti diversi della storia del marchio. Una scelta resa possibile anche dalla dimensione indipendente del brand, per il quale la quantità di tessuto disponibile determina direttamente quella dei capi producibili: quando il tessuto finisce, finisce anche la possibilità di replicare il modello.

Un archivio che torna a vivere

La collezione riunisce tessuti provenienti da stagioni e momenti differenti. Ritornano la stampa barocca della Fall/Winter 2022–23, i cotoni a righe della Spring/Summer 2025, i quadri multicolore e la stampa fotografica con bicchieri della Fall/Winter 2024–25, insieme ai pattern geometrici che hanno attraversato diverse collezioni del brand dalla Spring/Summer 2020 alla Fall/Winter 2025–26.

L’operazione, però, non si limita al recupero. Gran parte dei tessuti viene tinta in capo, intervenendo sui colori e sulle stampe originarie per modificarne completamente il carattere. Una seta dai motivi floreali vivaci diventa marrone e acquista una dimensione più autunnale. Le righe estive e accese vengono invece ricondotte a tonalità più discrete, terrose e sofisticate.

Il deadstock diventa così materia viva: non un residuo da utilizzare, ma un punto di partenza per una nuova narrazione.

Guarda il video della collezione Arthur Arbesser FW 2026 – 2027

Il contrasto come linguaggio

Accanto ai tessuti d’archivio, Arbesser introduce materiali più leggeri e trasparenti. Pois, rombi e righe vengono trasferiti sulla mesh, mentre il tulle a quadri multicolore dialoga con raso dalla stampa cobra, viscosa jacquard con logo, vichy, crêpe stropicciato a zig-zag, jacquard con melograni e stampe animalier.

Il risultato è volutamente ricco. I tessuti non vengono uniformati per appartenenza o stagione, ma messi in relazione proprio attraverso le loro differenze. Pattern che originariamente non erano destinati a incontrarsi vengono sovrapposti e accostati, creando un guardaroba nel quale il contrasto diventa una precisa scelta estetica.

È una direzione che trova riscontro anche nella lettura della collezione proposta dalla stampa internazionale, che ha sottolineato il carattere di “revival” dell’operazione e il modo in cui Arbesser utilizza layering, combinazioni inattese e interferenze cromatiche per dare una nuova vita ai materiali.

Silhouette essenziali, libertà di movimento

A una superficie visiva complessa corrispondono silhouette semplici e generose. Il designer mantiene le forme essenziali e lineari, lasciando spazio a proporzioni e volumi differenti.

L’idea è quella di progettare pensando a corpi ed età diversi, senza sacrificare fluidità e comfort. È proprio questo equilibrio a impedire alla ricchezza dei pattern di trasformarsi in un esercizio puramente decorativo: gli abiti rimangono il centro della collezione e sono pensati per essere vissuti.

Una filosofia già riconoscibile nel percorso recente di Arbesser, che ha progressivamente costruito un linguaggio nel quale teatralità e quotidianità possono convivere.

Una nota teatrale tra patchwork e proporzioni

Gli accessori accentuano la componente più ironica della collezione. Un cappello triangolare da imbianchino in cotone a righe, copricapi patchwork a punta dalle proporzioni esagerate e il classico festone di bandierine triangolari, trasformato in una sciarpa di tessuto, introducono una dimensione quasi teatrale.

Sono elementi volutamente eccentrici, capaci di aggiungere una nota assurda e sognante senza modificare la concretezza del guardaroba.

Anche qui, il recupero diventa trasformazione: materiali e riferimenti apparentemente lontani dal tradizionale accessorio moda vengono reinterpretati attraverso il linguaggio del brand.

L’eccesso come scelta

In un panorama che Arthur Arbesser percepisce come sempre più uniforme, la risposta della collezione è andare nella direzione opposta: più colore, più energia, più sovrapposizioni e una certa dose di eccesso.

Le stampe si incontrano senza cercare necessariamente armonia. I pattern entrano in contrasto e i materiali vengono messi alla prova attraverso combinazioni che ne modificano la percezione.

Eppure la collezione non perde mai il suo rapporto con la quotidianità. Dietro la complessità visiva rimangono abiti che possono essere riportati alla semplicità di una t-shirt bianca o di un paio di pantaloni neri.

È forse proprio questa la chiave della Fall/Winter 2026: non semplificare la moda per renderla più facilmente indossabile, ma lasciare che sia chi la indossa a trovare il proprio equilibrio.

Arthur Arbesser costruisce così una collezione che nasce da un archivio, ma non è una collezione nostalgica. I tessuti del passato vengono modificati, tinti, sovrapposti e ricomposti fino a perdere la loro identità originaria e acquistarne una nuova.

Un esercizio di recupero che diventa, prima ancora che una scelta produttiva, un modo di guardare alla moda: ciò che esiste già non deve necessariamente essere sostituito. Può essere osservato di nuovo, trasformato e riportato nel presente.

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